1. 三大安魂曲是指哪三首呢 三大安魂曲是指莫札特的Ｄ小调安魂曲、威尔第的安魂曲和佛瑞的安魂曲 2. 三大神剧是指哪三首呢 三大神剧是指韩德尔的弥赛亚、海顿的天地创造和孟德尔颂的伊利亚 3. 中国乐器有哪几类呢 中国乐器依八音分类法分为金、石、丝、竹、匏、土、革、木八种 4. 中国传统音乐如何分类呢 国传统音乐分为器乐、民歌、曲艺及戏曲四类 5. 西方乐器如何分类呢 西方乐器总括分为擦弦、木管、铜管及敲击四大类 6. 五大纲琴协奏曲是指哪几首呢 贝多芬的第五号降Ｅ大调钢琴协奏曲“皇帝”、柴可夫斯基的第一号降Ｂ大调钢琴协奏曲、拉赫曼尼诺夫的第二号Ｃ小调钢琴协奏曲、舒曼的Ａ小调钢琴协奏曲和李斯特的降Ｅ大调钢琴协奏曲合称为“五大纲琴协奏曲” 7. 六大交响曲是指哪几首呢 六大交响曲包含了贝多芬的田园交响曲、命运交响曲、舒伯特的未完成交响曲、德佛札克的新世界交响曲、柴可夫斯基的悲怆交响曲和白辽士的幻想交响曲 8. 四大小提琴协奏曲是哪几首呢 贝多芬的Ｄ大调小提琴协奏曲、孟德尔颂的Ｅ小调小提琴协奏曲、柴可夫斯基的Ｄ大调小提琴协奏曲和布拉姆斯的Ｄ大调小提琴协奏曲并称为四大小提琴协奏曲 9. 什么是自然音呢 指的是自然音阶上的音，包括(自然)大调和自然小调上的音! 10. 什么是声音的基本要素呢 声音的基本要素包括了音高、音量、音长与音色 11. 音乐史上的3B（4B）是指哪些人呢 布拉姆斯（Brahms, Johannes）、巴哈（Bach, Johann Sebastian）与贝多芬（Beethoven, Ludwig van）三人并称为音乐史上的3B，若是4B就要另加巴尔托克（Bartok, Bela） 12. 音乐的要素有哪些呢 音乐的精髓透过音乐的要素来传达与表现，而音乐的要素包含了节奏、旋律与合声 13. 音乐的新旧约是指什么呢 在音乐史上，通常我们会把巴哈的十二平均律比喻为旧约圣经，且把贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲比喻为新约圣经 14. 绝对音感与相对音感是指什么呢 能瞬间听出某个音音高的能力称为绝对音感；相对于绝对音感而言，在某音的比较下才能听出音高的能力称为相对音感 15. 圆舞曲之父是谁呢 圆舞曲之父指的是大约翰史特劳斯（Strauss,Johann(Vater)） 16. 圆舞曲之王是谁呢 圆舞曲之王指的是小约翰史特劳斯（Strauss,Johann(Sohn)） 17. 谁是歌曲之王呢 奥地利的舒伯特（Schubert, Franz (Peter)）因为留有超过六百首的歌曲而被称为歌曲之王 18. 什么是标准音高呢 伦敦国际会议（１９３９）决定“标准Ａ”音高为４４０，现今国际上普遍使用此规则 19. 音乐理论中的“乐音”与“噪音”如何定义呢 有人定义音乐作品中所使用的音称为乐音（musical tone）其余皆称为噪音（noise）；也有人定义钢琴键盘上一个周期所包含的十二个键为“乐音”，其余为“噪音”；也有不少书籍定义“乐音”为震动有规则的音响，“噪音”为震动无规则的音响 20. 什么是乐谱呢 凡是使用符号或文字来记载音的高低、音的长短、音的强弱、速度、表情、演奏法….即可称为乐谱 21.谁是“交响曲之父”呢？ “交响曲之父”指的是海顿（Haydn, Franz Joseph）。由于当时的人们总把音乐会当作打瞌睡的场所，海顿创作了在漫长的宁静之后突然钟鼓齐鸣的“惊愕”交响曲 谁是“协奏曲之父”呢？ “协奏曲之父”就是因一头红发而被称为“红发教士”的韦瓦第（Vivaldi, Antonio） 谁是“音乐之父”呢？ “音乐之父”就是出身于音乐世家的巴哈（Bach, Johann Sebastian） 谁是“音乐神童”呢？ “音乐神童”就是从小就到处旅行演奏并创作的莫札特（Mozart, Wolfgang Amadeus） 谁是“神剧之父”呢？ “神剧之父”指的是神剧“弥赛亚”的作者韩德尔（Handel, George Frideric） 谁是音乐史上的“乐圣”呢？ “乐圣”是指丧失听力的贝多芬（Beethoven, Ludwig van） 谁是“钢琴诗人”呢？ 波兰作曲家萧邦（Chopin, Fryderyk Franciszek）被视为钢琴音乐最伟大的作曲家，通常被誉为“钢琴诗人” 什么是ＡＡＤ／ＡＤＤ／ＤＤＤ录音呢？ ＡＡＤ／ＡＤＤ／ＤＤＤ三位字母的第一位字母表示演奏过程是以何种方式收音；第二位字母表示后来混音及编辑的过程采用何种方式；第三位字母表示以何种方式拷贝复制 何谓中国五声音阶？ 我国古代利用三分损益法求得五声音阶,其音程为大二度与小三度,分别为宫,商,角,征,羽 什么是４Ｄ录音呢？ 所谓的４Ｄ录音是指德国ＤＧ唱片公司所研发出的录音技术，具有以下四个特点：1.Remote-controlled microphone pre-amplifier 2.21-bit digital-floating analogue-digital converter 3.Stagebox principle / Digital network 4.All-digital mixing / Authentic Bit imaging 甚么是变化音呢？ 不是自然音的就是变化音，简单的说就是有临时升降记号的音! 录音技术符号的Ａ与D是表示甚么呢？ 在录音技术中，Ａ表示类比收混音或是拷贝，D是表示数位收混音或是拷贝 十二平均律是由谁首创？ 中国十二平均律是由明代朱载堉首创，西洋十二平均律是由德国巴哈首创 什么是中国的乐乐徽？ 中国的乐徽是排萧，是属于八音中的匏 中国的音乐节是什么时候？ 中国的音乐节为四月五日，也就是与我们的清明节同一天 在众多知名的作曲家里，被称为乐圣的是谁？ 乐圣所指的是贝多芬，他写了世界知名的九大交响曲及被称为钢琴新约的三十二首钢琴奏鸣曲等作品 交响诗是由谁首创？ 交响诗是由李斯特首创，他曾受业于彻尔尼 与巴哈同年出生却在英国成名的作曲家是谁？ 与巴哈同年出生而在英国成名的作曲家是韩德尔 我们平常练习时所使用的节拍器是由谁所发明的？ 节拍器是由德国人梅智所发明 世界三大芭蕾舞剧为何？ 世界三大芭蕾舞剧为柴可夫斯基所做的天鹅湖，睡美人及胡桃钳 音乐史上最早的第一部协奏曲为何？ 音乐史上最早的第一部协奏曲为科赖里所做的大协奏曲 何谓组曲？ 由几首短曲所组成的乐曲称为组曲 古代组曲的顺序为何？ 古代组曲的顺序为阿勒曼 库朗 萨拉邦 吉格 法国歌剧的创始人是谁？ 法国歌剧的创始人是卢利 何谓钢琴的新约与钢琴的旧约？ 钢琴的新约所指的是贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，钢琴的旧约所指的是巴哈的十二平均律 代表古典乐派结束浪漫乐派开始的作曲家是谁？ 代表古典乐派结束浪漫乐派开始的作曲家是贝多芬 何谓奏鸣曲式？ 奏鸣曲式通常使用于奏鸣曲、交响曲或协奏曲的第一乐章是由程式部、发展部及在现部所构成 乐剧是由谁所创？ 乐剧是由华格纳所创 在西洋音乐史上有哪几位作曲家是二十世纪新音乐的开创者？ 在西洋音乐史上被称为是二十世纪新音乐的开创者有德布西、荀白克及史特拉文斯基 在音乐史上将钢琴发挥充分功能的作曲家是谁？ 在音乐史上将钢琴发挥充分功能的作曲家是贝多芬 何谓俄国五人组？ 包罗定、巴林基雷夫、库宜、穆索斯基及李姆斯基.科萨可夫被称为俄国五人组 何谓卡农？ 卡农是在十三世纪时起源于德国使用模仿手法所做的乐曲 交响乐团的乐器编制为何？ 一般现代的交响乐团编制大致可分为弦乐、木管、铜管及敲击四组乐器 所谓乐团的女王所指的是什么乐器？ 在管弦乐团中被称为乐团的女王的乐器是小提琴 在木管乐器中属于C 调乐器的有哪些？ 在木管乐器中属于C 调乐器的有长笛、双簧管及低音管 在木管乐器中属于移调乐器的有哪些？ 在木管乐器中属于移调乐器的有竖笛、英国管及萨克管 提琴由几条定弦所构成分别为什么音？ 小提琴由四条弦所构成分别为E A D G 中提琴由几条定弦所构成分别为什么音？ 中提琴由四条弦所构成分别为A D G C 大提琴由几条定弦所构成分别为什么音？ 大提琴由四条弦所构成分别为A D G C 低音大提琴由几条定弦所构成分别为什么音？ 低音大提琴由四条弦所构成分别为G D A E 吉他由几条定弦所构成分别为什么音？ 吉他由六条定弦所构成由高至低分别为E B G D A E 又称为六弦琴 在所有弦乐器当中唯一的演奏音高与实际音高不同的乐器为何？ 在所有弦乐器当中唯一的演奏音高与实际音高不同的乐器为低音大提 ［此帖子已被 KHBMW 在 2004-10-19 14:03:00 编辑过］

琴，它的实际音高比记谱音高低八度 在木管乐器当中表情力及强弱细致性表现最好的乐器为何？ 竖笛是在所有木管乐器当中表情力及强弱细致性表现最好的乐器 在木管乐器当中善于表现嘲讽气氛的乐器为何？ 低音管是在木管乐器当中善于表现嘲讽气氛的乐器 在交响乐团中最常用的木管乐器有哪些？ 在交响乐团中最常用的木管乐器有长笛、双簧管、竖笛及低音管 谁有和声学之父之称？ 法国了作曲家及理论家拉摩Rameau,Jean-Philippe (1683-1764) 有和声学之父之称，他是巴洛克时期的作曲家 何谓清唱剧？ 清唱剧通常已故视为题材，有角色但无布景与动作的音乐 何谓巴黎六人组？ 巴黎六人组(Les Six)为米尧(Milhaud)、普朗克(Poulence)、澳里克(Auric)、迪霍(Durey)、塔乐费尔(Tailleferre)、奥乃格(Honnegar) 何谓俄国五人乐派？ 俄国五人乐派(The Russian Five)为玻罗定(Borodin)、巴拉基雷夫(Balkirev)、桂宜(Cui)、莫索斯基(Moussorgsky)、里姆斯基-科萨可夫(RimskyKorsakov) 乐音与噪音的差别为何？ 乐音是震动有规则，有一定高度的音；噪音则为震动没有规则，没有一定高度的音 五线谱的作用为何？ 五线谱能记载音的高低、长短、强弱及乐曲的速度和演奏法 谱号可分为哪三大类？ 我们平常常见的谱号大致可分为高音谱号(又称为G谱号)，低音谱号（又称为F谱号），及中音谱号（又称为C谱号） 何谓单谱表？ 只用一行五线谱来记载乐曲的谱表称之为单谱表 何谓大谱表？ 将高音谱号及低音谱号的谱表重叠起来一起使用的谱表即为大谱表，通常用于钢琴及风琴等乐谱上 何谓联合谱表？ 在大谱表上方连接一个高音谱表或低音谱表即成为联合谱表。或在大谱表上方连接三个高音谱表合一个低音谱表也成为联合谱表（混声四部）。或连接两个高音谱表，一个中音谱表和一个低音谱表也称为联合谱表（弦乐四重奏）。另外还有管弦乐团所用的总谱表也称为联合谱表，他将各种谱表连接起来是最完整的联合谱表 何谓小节，小节线与双小节线？ 音乐有小节，小节则由小节线来划分，双小节线则是用在曲子的结尾 单拍子与复拍子如何区别？ 用单纯音符作拍子的单位称为单拍子；若用复点音符作拍子的单位则称为复拍子 何谓交错拍子？ 在相同或不同乐器的合奏曲当中，不同的声部以不同的拍号同时交错演奏的拍子称为交错拍子 何谓变态拍子？ 再乐曲进行时，为了增加曲趣，时常变换拍号，称为变态拍子 何谓强起拍？ 乐曲用强拍开始称为强起拍，强起拍的乐曲每小节的拍数都会是完整的 何谓弱起拍？ 曲子从弱拍开始称为弱起拍，弱起拍的曲子第一小节与最后一小节的拍子是不完全的，但这两小节的拍子加起来即可成为一个完全的小节 何谓混和拍子？ 五、七、九拍子被称为混和拍子 竖笛五重奏是由哪些乐器所组成？ 竖笛五重奏是由竖笛、第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴所组成 铜管五重奏是由哪些乐器所组成？ 铜管五重奏是由第一小号、第二小号、法国号、长号、低音号所组成 弦乐四重奏是由哪些乐器所组成？ 弦乐四重奏是由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴所组成 钢琴三重奏是由哪些乐器所组成？ 钢琴三重奏是由钢琴、小提琴、大提琴所组成 有哪些作曲家曾经编写管弦乐曲“罗密欧与朱丽叶”？ 浦罗柯菲夫(Prokofiev)、柴可夫斯基(Tchaikovsky)、白辽士(Berlioz)三人均曾编写过管弦乐曲“罗密欧与朱丽叶” 谁是进行曲之王？ 美国作曲家，致力于军乐队的发展，发明苏沙低音号的苏沙 谁是俄国音乐之父？ 采用俄罗斯民谣作为主题运用欧洲式的音乐手法，创作许多民族性的音乐是俄国作曲家葛令卡 何谓音阶？ 音的排列顺序，任何一个音符向上或向下发展，直到八度为止，这其中的系列的音就组成音阶 何谓音程？ 音程就是音与音之间的距离，音高的差 简谱是由谁创立的?？ 简谱是由法国的医生兼音乐理论家舒威以音乐教育为目的(Cheve, Emile-Joseph-Maurice 1804～1864)所创立，所以这种简谱又称为"舒威谱式"。以阿拉伯数字中的1、2、3、4、5、6、7、来代表音阶中的七个音，休止符以0表示，长音以－或是˙表示。

好帖，顶！增涨知识了．

世界音乐之都 1：音乐之都 　　奥地利首都维也纳是世人公认的"音乐之都",一提起它，让人想到的是优美的华尔兹圆舞曲的 ，维也纳同时也是许多著名古典音乐作品的诞生地。只要看一看这些数据介绍，就可知被称为" 音乐之都"，维也纳是当之无愧了：全城30万架钢琴，平均5个人一架；每年1000多场音乐会 在此举行；所有的餐厅、饭馆如果没有一支乐队，那是难以想象的事；全民音乐教育，全市半数 的小学生接受过音乐训练；公共?帷⑶斓渖踔琳??嵋椋?崆盎岷笠恢Ч诺淅智?夭豢缮伲怀?内保存有40多位音乐大师的故居和遗迹，处处可见贝多芬、莫扎特、施特劳斯等著名音乐家的塑像。如果您想听听音乐，只需拨通电话号码1590。 2：音乐节之都 　　为了纪念音乐天才莫扎特诞生164周年，1920年在奥地利的边境城市萨尔茨堡（莫扎特的故 乡）举办了第一届国际音乐节，以后每年都要举行一次。并且专为音乐节建了一座现代化的音乐大会堂，使萨尔茨堡成了世界音乐的信息中心。 3：歌咏之都 　　世界最大的露天歌咏场建于爱沙尼亚的首都塔林，可容纳3万人同台演唱，20万人观赏，万人同台唱歌咏，那场面十分壮观，堪称歌咏之都。 4：乐器之都 　　您知道世界第一架真正的手风琴诞生在哪里吗？答案是德国的一座人口仅1.2万的小城--特罗辛根。到现在，绝大多数居民海是以乐器制造为生。特罗辛根生产的手风琴、口琴、低音黑管、萨克斯管、电子乐器等质量优良，畅销世界各地。 5：竖琴之都 　　竖琴是爱尔兰的国徽图案。由此可知竖琴之都自然是柏林了。柏林是竖琴比赛的中心，每年大大小小的音乐和戏剧节都会在这里举行，市民在公园里大弹竖琴，盛况空前。 6：公园音乐会之都 　　世界上有这样的好事，每逢星期五至星期日，准时分别在几个大公园举行音乐会，风雨无阻，而且一律免票入场 。这就是菲律宾首都马尼拉的公园音乐会的特色。市民和游客边乘凉边看表演，座无虚席。公园音乐会之都就是马尼拉。 7：街头音乐家之都 　　法国巴黎是一个浪漫的城市，在城市的街头处处可见音乐家在为人们献艺。地铁站则是聚集的焦点，从早上7点到深夜都有演出，甚至在列车上也常常有他们的身影，他们热衷于展示自己的音乐才华。这已经成为巴黎街头一景。 8：乡间音乐之都 　　塔姆沃思是澳大利亚的一座山城，这里每年都要举行一次乡间音乐节，每届10天，届时热闹非凡，来此观光的游客比当地居民还多，是名副其实的乡间音乐之都。

欣赏音乐的基本知识 笔者并非想教读者如何欣赏音乐，其实每个人都有自己的一套欣赏音乐的 方式或习惯。笔者在此只是想提醒大家，一首音乐除了旋律之外，还有很多东 西值得我们欣赏及留意的 一首普通音乐的结构通常包括了 Intro，Verse，Chorus，Instrument Solo 和 Ending 几个部分，而组成各部分的元素约可分为主旋律（Melody）、节奏（拍 子 Rhythm）、速度（Tempo，如快板、中板、慢板）、以及衬托主旋律的第二 旋律等等音乐元素。但未必每首音乐都齐备上述种种元素。 通常，一首音乐最引人注意的部分是主旋律。但各位有没有 留意一首音乐 开始的时候多数有一段前奏（Introduction） ？前奏是什么？前奏就是将聆听者 由静止的或某一聆听心情 的乐段，它能帮助聆听者进入音乐的内容。前奏的音 乐型式 可能和主旋律及主题有点相似，但亦可能完全不同。我们欣 赏音乐的时 候，可以尝试感受，作者或编曲者如何作出适当 的前奏来配合主旋律的内容。 前奏多数是由少数乐器奏出， 但却可以是雄壮的或抒情的。无论是什么的前奏 ，都应该为 乐曲先营造恰当的气氛，这是十分重要的，正如一篇文章的 引子一 样。要写好前奏得要看作曲者或编曲者有没有足够功 力了。 前奏过后，跟着来的有音乐的主歌（Verse）、副歌（Chorus），音乐过门 及结尾（Intrumental and Ending）。主歌可以说是内容，是每首音乐的主干。而 音乐的结构是有一特定型式的，此结构型式在乐理上称之为 Form。一般的歌曲 大多作 AA'BA' Form。A 代表主歌，而 B 段是副歌。亦即是说，通常一首歌的 构造就是由前奏，两段主歌，一段副歌，过门音乐，再来一次的副歌和主歌， 以及结尾音乐顺序地连接而成的。不同类型的 Form 有很多，如 Blues Form， Jazz Form；古典音乐的 Form 更多，例如 Sonata，Ternary，Rondo 或 Rondo- Sonata 等等有关 Form 的术语，就是我们在唱片封套上的作品名称旁边偶然看 见的字样。 当副歌奏完之后，通当接着有音乐过门。一段过门可能是套用主歌或副歌 其中的某段旋律，甚至套用前奏的旋律亦可。最考功夫的是一段音乐过门与前 奏，主歌和副歌的旋律既不近似，而且又要不离题。原来单是听音乐过门，就 可欣赏到编曲者或作曲者的功力了。 在整首歌终结之前，大多有一段作完结的纯音乐 （Ending）。比如将歌的 最后一句重复一次，或重复多次并且渐渐降低声量至完全没有声音（Fade Out） 而作完结，就是一些经常听见的 Ending 表现方式。 一首音乐除了上述的各部分外，还有一些地方是值得我们注意的，那就是 每一句音乐之间可能会出现的东西。譬如两句歌词之间有休止符，便会有空了 出来的时间，编曲者就要补上一些俗称 Fill In 的纯音乐填充以去掉空虚的时段 。不要忽视这些细微的 Fill In，它同样可以让我们看见编曲者的技巧和音乐修 养。 以上所说明的可以说是以大多数的流行音乐或民歌的型式而作的一个范例 ，至于管弦乐、Blues、Jazz、Rock、Fusion 等音乐，各有其独特的编曲方式， 决不可一概而论。 　

听歌剧先听卡门 西洋歌剧难懂，不仅在于语言障碍，更由于许多人听不惯美声唱法。那种似歌非歌，不知何时能唱完的“咏叹调”是只熟悉中国民歌和流行歌曲的人们所望而生畏的。 要想听懂西洋歌剧必须了解美声唱法。美声唱法诞生于意大利，已有400多年的历史。它代表着一种演唱风格和声乐学派。美声唱法采用比其它唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、圆润又具有金属色彩富于共鸣的音质。 听一听著名男高音歌唱家帕瓦罗蒂演唱的意大利民歌《我的太阳》、《重归苏莲托》、《燕子归巢》、《玛丽亚·卡莱》等曲目，我们会领略到美声唱法的绝妙之处的。这些民歌短小、质朴、旋律流畅，其结构形式与一般的歌曲非常相似，因而是了解美声唱法的最佳教材。 经过一番意大利民歌的熏陶之后，我们就可以去听歌剧了。 对于没有任何听歌剧经历的人来说，先听哪一部歌剧非常重要。要想了解一门自己过去并不熟悉的艺术形式，最快捷的办法就是去欣赏这种艺术门类最杰出、名气最大的作品。这可以使我们在短时间内体会到其美之所在。比如听京剧，如果一位京剧门外汉先听《太真外传》、《西施》之类二流剧目中的大段唱腔，定会被吓跑。但假如先听“苏三离了洪洞县”，再去听《甘露寺》中的“劝千岁”或《淮河营》中的“此时间”，这位门外汉定会立马对京剧唱腔兴趣盎然，毫不犹豫地从“门外”走进“门内”。 听歌剧的道理也是如此。第一次听，理应选择一部自始至终让人保持足够欣赏兴趣的剧目。在此我向大家推荐法国作曲家比才创作的《卡门》。 《卡门》在西洋歌剧中的位置就像京剧中的《苏三起解》，是最通俗，最有名不过的剧目。《卡门》序曲的知名度更好比《苏三起解》中的“苏三离了洪洞县”一般，早已到了近乎妇孺皆知的地步。 《卡门》共分四幕，幕间的间奏曲也常在音乐会上被单独演奏，已被列入了通俗古典名曲的行列，人们一听便会觉得耳熟。 女主人公卓而不群的性格和迷人的爱情故事，也是这部歌剧吸引人之所在。卡门是一个叛逆者的形象，她的所做所为并不是因为贪图钱财，也不是因为她残酷成性，而是因为她的感情像一只飞鸟，只爱自由自在地飞翔，而不能忍受任何束缚。卡门在剧终用死来忠于自己的个性，来坚持自己的独立和自由。“不自由，毋宁死”是卡门身上最突出标志。卡门这一形象总会引起当代人对于自身生活方式的再思考，从而得到某种启示。 歌剧《卡门》最吸引人之处还是其各个场次中精彩纷呈的唱段。从这一点来说，《卡门》很像京剧《二进宫》，生(男高音)、旦(女高音)、净(男低音)各类角色都有，独唱、重唱、合唱各种形式一应惧全。 剧中卡门一角由女高音扮演，她在第一幕中的主要唱段“哈巴涅拉”和“吉普赛舞曲”均采用了西班牙民族音乐的格调，节奏粗犷，豪放，旋律优美的动听，与卡门追求自由生活的个性非常贴切。 男主人公唐霍赛在第二幕中演唱的《花之歌》是一首情歌经典。这首咏叹调充分发挥了男高音宽广的音域，生动形象地抒发了唐霍赛内心的呼唤。 斗牛士埃斯卡米洛在第二幕演唱的斗牛士之歌，具有京剧《盗御马》中“将酒宴摆至在聚义厅上”的气势，它把一位趾高气昂的斗牛英雄栩栩如生地展示在听众眼前。这段唱因为重复了序曲中的部分旋律，听来会让人的精神为之一振。 《卡门》是一出场面宏大的歌剧，剧中描述群众场面的合唱曲较多。第一幕中“香烟女工的合唱”、“兵士上岗时儿童的合唱”以及第四幕中的“斗牛士进行曲大合唱”都能使听众在欣赏后有绕梁三日不绝于耳的感受。 歌剧《卡门》创作于1874年，当代女高音歌唱家们都希望以演好卡门来显示自己的艺术功力。本世纪最负盛名女高音歌唱家玛丽亚·卡拉斯在60年代曾录制了歌剧《卡门》。这套唱片被誉为《卡门》众多录音版本中的典范。 卡拉斯在《卡门》中的表演显示了她对角色的深刻理解。在录音期间，有人曾问卡拉斯：“在你看来，卡门是个坏女人吗?”卡拉斯回答：“当然不是了，她是吉普赛人，相信个人的命运前世注定，是无法改变的。因此，她凭自己的好恶及时行乐。卡门生活中的唯一道德标准是决不做违心的事。” 卡拉斯的这套《卡门》唱片之所以成为经典，与男高音盖达(饰唐霍赛)、男中音玛萨德(饰埃斯卡米洛)等名家的参与分不开。指挥家普雷特里执棒的巴黎国家歌剧院管弦乐团，为全剧提供了既细腻又宏伟的演奏效果，使整套唱片高潮迭起，异彩纷呈。

十大钢琴家 鲁宾斯坦（Artur Rubinstein,1887－1982） 　　生于波兰罗兹，5岁即在华沙举行演奏会，后至柏林接受音乐训练。10岁时由约阿希姆指挥演奏莫扎特钢琴协奏曲，此后在欧洲各地演出，名声日增，1937年起定居美国。鲁宾斯坦是20世纪最伟大的钢琴家之一，尤其在演奏肖邦作品方面，有着不朽的地位。 　　唱片选粹： 　　RCA 0902661443－2 　　贝多芬：四首奏鸣曲－－悲怆、月光、热情、告别 　　RCA RCD 1－7156 　　肖邦：四首谐谑曲、四首叙事曲 　　RCA 5612－2－RC 　　肖邦：七首波罗乃兹 　　RCA 5614－2－RC 　　肖邦：五十一首马祖卡 　　RCA RCD 1－5492 　　肖邦：十四首圆舞曲 　　RCA 09026－61262－2 　　格里格：钢琴协奏曲（管弦乐团/华伦斯坦） 　　RCA RCD 1－4934 　　拉赫玛尼诺夫：第二钢琴协奏曲、帕格尼尼狂想曲（芝加哥交响乐团/莱纳） 　　RCA 5666－2－RC 　　圣?桑：第二钢琴协奏曲/法雅：西班牙花园之夜（费城管弦乐团/奥曼第） 　 肯普夫（Wilhelm Kempff,1895－1995） 　　生于德国的特博格，师从H?巴尔特和R?卡恩，1916年，21岁的肯普夫便已初享钢琴大师声望，20年代曾担任斯图加特高等音乐学校校长。肯普夫正好活到一百岁，他是20世纪最重要的贝多芬和舒伯特钢琴音乐的演奏者之一。 　　唱片选粹： 　　DG 巴赫：众赞歌前奏曲等 　　DG 贝多芬：五首钢琴协奏曲（柏林爱乐乐团） 　　DG 贝多芬：奏鸣曲全集 　　DG 贝多芬：小提琴奏鸣曲全集 　　DG 贝多芬：鬼魂三重奏、大公三重奏 　　DG 舒伯特：最后五首奏鸣曲 　　DG 舒曼：钢琴协奏曲、童年情景、狂欢节（巴伐利亚广播交响乐团） 　 霍洛维茨（Vladimir Horowitz,1904－1989） 　　生于乌克兰基辅，1921年毕业于基辅音乐学院，同年在波兰哈尔科夫首次登台演奏。1928年后定居美国，娶了指挥大师托斯卡尼尼的女儿。40年代霍洛维茨与托斯卡尼尼合作录制的协奏曲唱片（RCA），迄今仍为爱乐者珍视。除1965和1968年两度于纽约卡内基大厅、80年代重返前苏联在莫斯科举行独奏音乐会外，自1953年起霍洛维茨基本上只为唱片录音而演奏。他是20世纪最令人瞩目的大钢琴家，技巧高超，举世无双。 　　唱片选粹： 　　RCA 7992－2－RG 　　贝多芬：第五钢琴协奏曲/柴柯夫斯基：第一钢琴协奏曲（NBC交响乐团） 　　RCA GK 85272 　　拉赫玛尼诺夫：第三钢琴协奏曲（RCA交响乐团/莱纳） 　　CBS MK 42410 　　斯卡拉第：奏鸣曲集 　　CBS MYK 42534 　　舒曼：童年情景、托卡塔、 　　CBS M3K 44681 　　舒曼：C大调幻想曲等 　　DG 419 217－2 　　舒曼：克莱斯勒偶记 　　DG 419 045－2 　　“霍洛维茨－－最后的浪漫” 　 里赫特（Sviatoslav Richter,1915－） 　　生于乌克兰的日托米尔，1934年在敖德萨首次登台演出。1937?1947年就学于莫斯科音乐学院，成为伟大的钢琴教师海因里希?涅高兹的学生。1942年由里赫特首演了普罗科菲耶夫的第六奏鸣曲，后来又首演普氏的第七和第九奏鸣曲（后者乃作曲家题献给他），被公认为普罗科菲耶夫钢琴音乐的首要代言人。 　　唱片选粹： 　　Melodiya/BMG 　　巴赫：平均律钢琴曲集 　　Philips 442 565－2 　　贝多芬：大提琴奏鸣曲全集（罗斯特罗波维奇大提琴） 　　Philips 446 200－2 　　李斯特：两首钢琴协奏曲、b小调奏鸣曲（伦敦交响乐团/康德拉辛） 　　DG 415 119－2 　　普罗科菲耶夫：第五钢琴协奏曲/拉赫玛尼诺夫：第二钢琴协奏曲（华沙爱乐乐团/威 　　斯罗茨基、罗维茨基） 　　DG 419 068－2 　　柴柯夫斯基：第一钢琴协奏曲（维也纳交响乐团/卡拉扬） 　 吉利尔斯（Emil Gilels，1916－1985） 　　生于敖德萨，13岁入敖德萨音乐学院，1935年考取莫斯科音乐学院研究生，在涅高兹指导下继续深造。1938年获布鲁塞尔国际钢琴比赛一等奖，同年毕业并留任莫斯科音乐学院教授。1947年起在欧洲各地巡回演出，1955年成为战后第一位访问美国演出的苏联钢琴家。吉利尔斯和比他年长一岁的里赫特，被并誉为俄罗斯钢琴学派的当代传人。 　　唱片选粹： 　　EMI TOCE－3253 　　贝多芬：第五钢琴协奏曲（克利夫兰管弦乐团/塞尔） 　　DG 400 036－2 　　贝多芬：悲怆奏鸣曲、月光奏鸣曲 　　DG 423 136－2 　　贝多芬：英雄变奏曲 　　DG 435 588－2 　　布拉姆斯：第二钢琴协奏曲（柏林爱乐乐团/约胡姆） 　　DG 449 721－2 　　格里格：抒情小品集 　　DG 419 059－2 　　莫扎特：第二十七钢琴协奏曲（维也纳爱乐乐团/贝姆） 　　MK/Philips 456 796－2 　　普罗科菲耶夫：第八奏鸣曲、瞬息的幻想 　 布伦德尔（Alfred Brendel，1931－） 　　生于摩拉维亚的魏森堡，幼年在南斯拉夫学琴，12岁时随家迁居奥地利，师从卡恩，后来进埃德温?菲舍尔的高级钢琴班深造。1948年获布索尼钢琴大赛奖，并首次于格拉茨举行独奏音乐会，此后开始驰名世界乐坛。布伦德尔是一位很有学问的钢琴家，1960?1970年间每年在维也纳主持高级钢琴班，当今的许多钢琴家曾是他的学生。1974年他移居伦敦。 　　唱片选粹： 　　Philips 412 789－2 贝多芬：第五钢琴协奏曲（芝加哥交响乐团/列文） 　　Philips 438 730－2 贝多芬：七首著名的奏鸣曲 　　Philips 420 071－2 布拉姆斯：第一钢琴协奏曲（柏林爱乐乐团/阿巴多） 　　Philips 426 637－2 李斯特：两首钢琴协奏曲、死之舞（伦敦爱乐乐团/海延克） 　　Philips 434 078－2 李斯特：b小调奏鸣曲 　　Philips 442 269－2 莫扎特：第十九、二十、二十一、二十三、二十四钢琴协奏曲（圣马丁乐团/马里纳） 　　Philips 422 076－2 舒伯特：流浪者幻想曲、音乐的瞬间 　　Philips 400 078－2 　　舒伯特：鳟鱼五重奏（克利夫兰四重奏组） 　 阿什肯纳齐（Vladimir Ashkcnazy，1937－） 　　生于前苏联高尔基城，6岁开始学琴，8岁即登台演奏。1955年进入莫斯科音乐学院，师从奥伯林教授。1962年参加第二届柴柯夫斯基国际钢琴比赛，与奥格登并列第一。次年至伦敦举行演奏会，此后定居英国。1968年移居冰岛（其妻为冰岛人），1972年入冰岛籍。在同辈钢琴家中，阿什肯纳齐产演奏曲目最广泛、录制唱片最多的一位。除钢琴演奏外，自80年代起阿什肯纳齐还成为杰出的管弦乐团指挥，录制了众多交响乐作品。 　　唱片选粹： 　　Decca 448 125－2 巴托克：三首钢琴协奏曲（芝加哥交响乐团/索尔第） 　　Decca 448 986 2 贝多芬：第六交响曲（爱乐乐团） 　　Decca 421 453－2 贝多芬：小提琴奏鸣曲全集（帕尔曼小提琴） 　　Decca 414 564－2 肖邦：夜曲 　　Decca 443 576－2 莫扎特：第八、九钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/克尔提斯） 　　Decca 414 386－2 　　穆索尔斯基：展览会上的图画（钢琴版和乐队版） 　　Decca 448 127－2 　　普罗科菲耶夫：第三、五钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/普雷文） 　　Decca 448 116－2 　　拉赫玛尼诺夫：三首交响曲（阿姆斯特丹音乐厅乐团） 　　Decca 425 047－2 　　拉赫玛尼诺夫：第二钢琴协奏曲（莫斯科爱乐乐团/康德拉辛） 　　Decca 444 845－2 拉赫玛尼诺夫：图画练习曲 　　Decca 414 474－2 舒曼：蝴蝶、交响练习曲、阿拉伯风格曲 　　Decca 421 069－2 西贝柳斯：交响曲全集（爱乐乐团） 　　Decca 425 579－2 斯克里亚宾：奏鸣曲全集 　　Decca 417 750－2 　　柴柯夫斯基：第一钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/马捷尔） 　 科瓦塞维奇（Stephen Bishop－Kovacevich，1940） 　　亦称毕晓普??科瓦塞维奇，南斯拉夫裔，生于洛杉矶，1948年起师从肖尔，1951年在旧金山首次演出。1959年移居伦敦，师从赫斯。1961年在伦敦举行独奏音乐会获得巨大成功，从此活跃于国际乐坛。 　　唱片选粹： 　　Philips 438 812－2 巴托克：三首钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/戴维斯） 　　Philips 446 557－2 巴托克：双钢琴与打击乐奏鸣曲（与阿格丽姬合作） 　　Philips 422 482－2 贝多芬：第五钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/戴维斯） 　　EMI CDC 7 54578　2 布拉姆斯：第一钢琴协奏曲（伦敦爱乐乐团/萨瓦利许） 　　Philips 411 103－2 布拉姆斯：谐谑曲、叙事曲、八首小品 　　EMI CDC 5 56440 2 布拉姆斯：两首小提琴奏鸣曲（哈瑞尔大提琴） 　　Philips 426 077－2 　　莫扎特：第二十一、二十五钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/戴维斯） 　 阿格丽姬（Martha Argerich，1941－） 　　生于阿根廷布宜诺斯艾利斯，5岁便登台演出，被誉为“女神童”，先后师从斯卡拉穆萨、顾尔达、利帕第夫人、马加洛夫、米开朗杰里的阿什肯纳齐。16岁时（即1957年）接连获得布索尼国际钢琴比赛和日内瓦国际钢琴比赛两项冠军。1965年在第七届华沙国际肖邦钢琴大赛在再次夺冠，更是名扬四海。 　　唱片选粹： 　　DG 449 719－2 　　肖邦/李斯特：第一钢琴协奏曲（伦敦交响乐团/阿巴多） 　　DG 419 859－2 　　肖邦：第二钢琴协奏曲（国家交响乐团/罗斯特罗波维奇） 　　DG 419 055－2 　　肖邦：第二、三奏鸣曲 　　DG 447 438－2 　　拉威尔：G大调钢琴协奏曲、夜之加斯帕/普罗科菲耶夫：第三钢琴协奏曲（伦敦交响 乐团/阿巴多） 　　DG 439 420－2 　　柴柯夫斯基：第一钢琴协奏曲（皇家爱乐乐团/迪图瓦） 　　DG 447 430－2 　　“阿格丽姬的名演奏” 　 波利尼（Maurizio Pollini, 1942－） 　　生于意大利米兰，9岁首次公演，1959年毕业于米兰音乐学院，次年参加第六届华沙国际肖邦钢琴大赛，夺得第一，由此蜚声国际乐坛。波利尼并不以此为满足，又拜米开朗杰里为师，继续深造，乃至成为20世纪后期最出类拔萃的钢琴大师，演奏浪漫派作品或是现代音乐都游刃有余。 　　唱片选粹： 　　DG 415 371－2 　　巴托克：第一、二钢琴协奏曲（芝加哥交响乐团/阿巴多） 　　DG 439 770－2 　　贝多芬：五首钢琴协奏曲（柏林爱乐乐团/阿巴多） 　　DG 431 596－2 　　布拉姆斯：第二钢琴协奏曲（维也纳爱乐乐团/阿巴多） 　　EMI CDM 7 64354 2 　　肖邦：第一钢琴协奏曲（爱乐乐团/克雷茨基） 　　DG 413 794－2 　　肖邦：练习曲 　　DG 427 322－2 　　李斯特：b小调奏鸣曲 　　DG 413 793－2 　　莫扎特：第十九、二十三钢琴协奏曲（维也纳爱乐乐团） 　　DG 423 249－2 　　勋伯格：钢琴作品集 　　DG 447 451－2 　　舒伯特：流浪者幻想曲/舒曼：C大调幻想曲

爵士乐各大流派 尽管现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类，其中传统爵士乐是指采用了4/4拍的行进性的管乐队演出相关工作的爵士乐，而现代爵士乐是指采用了贝斯演奏跳舞音乐的爵士乐。这种划分有时会显得毫无疑义，如果那这种标准来衡量，人们几乎无法判断肯尼·金是否比比赛希尔·泰勒的音乐更应属于现代爵士乐。其实传统和现代这两个相关的概念予以划分爵士乐的种类并不确切，这造成了一些既具现代风格又包含了传统风格的优秀作品无法分类的问题，因为爵士乐将近一百年的发展历程是连续不断的。各种风格流派也有其相互的联系，大体来说可以划分为以下十九种风格： Ragtime 拉格泰姆爵士乐 1910'-1920' 尽管从严格的意义上说，这种风格还不是真正的爵士乐。在这风格中还没有即兴演奏和布鲁斯音乐的感受，这种风格对于早期的爵士乐的形式产生了巨大的影响。这种风格的鼎盛时期是1899年至1915年，其中最为知名的要算是钢琴音乐。这种风格大多是由管弦乐队演奏的，其对位法和节奏融合了古典音乐和行进乐队音乐的特点，在后来的爵士乐风格中都有所体现。拉格泰姆爵士乐的许多旋律后来都被迪克西兰爵士乐音乐家风格采用，其中《枫叶拉格泰姆舞曲》是最著名的作品。 代表人物 Dick Baker Burt Bales Carlos Barbosa-Lima New Orleans Jazz 新奥尔良爵士乐 1910'-1930' 这是爵士乐最早的音乐风格。大致是从1895年当巴迪·博尔登在新奥尔良组建自己的第一支乐队时开始这种音乐就在新奥尔良演奏，直到1917年斯托瑞维尔俱乐部不幸关闭为止，这些音乐未能留下录音原名。然而，由于后来的原创迪克酉兰爵士乐队在1917年的成功以及二十年代许多成功演出的原名的保存使我们有机会感受到这种音乐的风格。由于新奥尔良爵士乐强调合奏，因此每一件乐器在乐队中的角色都受到了严格的限制，通常，小号和短号是乐队中的重要角色，常常演奏旋律部分，而长号则是和昔的主要来源，副部则通常由短号演奏。节奏部相对稳定，通常包括了钢琴，圆号，贝司和鼓，这种音乐同早期的行进乐队有直接的渊源。由于这种音乐相对来说，和音较为基本，合奏通常表现欢乐的主题，因此他一直是爵士乐中最为欢快和员容易接受的风格。 代表人物 Louis Armstrong Big Bill Bissonnette Henry "Red" Allen Standards 主流爵士乐 1915-1960' 主流这个术语实际上是爵士乐的一位评论家斯坦利·丹斯创造的，他在描述五十年代的小号演奏家巴克·克莱顿和他同期音乐家的演奏时首次使用了这个词。这些音乐家大多都是摇摆乐时代的资深音乐家，他们并不是使他们的风格现代化，并不演奏波普爵士乐，或是加入五十年代重新兴起的迪克西兰乐队，从前的大乐队时代的明星们以小乐队的形式演奏昔日的标准曲，并获得巨大的成功。其中的代表人物是Coleman Hawkins，Lester Young，哈里·埃迪森和罗伊·埃尔德里奇。主流爵士乐在五十年代时留下了大量精彩的录音，但是一直因其它风格爵土乐的成功而未受到重视。在六十年代其主要人物相继故去，然而在七十年代，随着次中音萨克斯管演奏家斯克特·汉密尔顿和沃伦·瓦奇的崛起，以及以主流爵士乐为其主要特色的协和唱片公司的出现，主流爵士乐重新受到了人们的关注，并一直延续到今天。 代表人物 Bing Crosby Dee Dee Bridgewater Nina Simone Classic Jazz 古典爵士乐 1920'-1930' 并不是所有的二十年代的爵士乐都可以被归入新奥尔良爵士乐或是迪克西兰爵士乐之中。二十年代是爵士乐的时代，爵士乐风格的舞厅乐队为爵士乐的流行起了重要的作用。以独奏为主的即兴演奏也随爵士乐本身的发展而受到越来越多的重视，日益增多的演奏铜管乐器的独奏者以及在编曲方面的探索预示了摇摆乐时代的到来。在这个时代的大多数的爵士乐都可以被冠以古典爵士乐的名称，许多现代的古典爵士乐的复兴者从Fletcher Henderson，克拉伦斯·威廉斯和Bix Beiderbecke的音乐中获取灵感，他们可以被视为这种开放性的音乐风格的继承者。 代表人物 Coleman Hawkins Fats Waller Louis Armstrong Dixieland 迪克西兰爵士乐 1920'-1930' 在五十年代，迪克西兰爵士乐的复兴或者迪克西兰爵士乐的时髦，最终由于大量的业余爱好者的参与，使这种音乐风格泛滥成灾。迪克西兰爵士乐成为了一种多愁善感的装饰性音乐，和当时流行的草帽和吊带裤一起成为了老一套的东西。当时的许多演奏这种风格的专业人土，也因此放弃了这种风格，转而演奏传统爵士乐和古典爵土乐。然而责怪风格或者其特殊的音乐语言，显然失之公允，因为当时的音乐家都以自己的独特的方法表现自己的个人的情感，造成了水平的参差不齐。事实上这种风格由于音乐家自身的原因造成了风格本身的混乱和不统一。其实，演奏这种风格的音乐家往往也参与其它风格爵士乐的演奏，因此这种爵士乐重要的风格，并没有明显的界定。 或许将演奏迪克西兰爵士乐的专业人士与他们的拙劣的模仿者的演奏分离开来，更为公正。迪克西兰爵士乐同新奥尔良爵士乐和古典爵士乐几乎同时出现，这种爵士乐风格也被称为芝加哥爵士乐，原因是这种音乐在二十年代时在芝加哥得到了发展和完善。最典型的迪克西兰爵士乐演奏通常是在第一主题(或者是在同一首乐曲中有多个主题时，在多个主题演奏完之后)演奏完之后，就是集体的即兴演奏。通常在独奏之后，其它的管乐队演出相关工作吹奏出反复的段落，结束性的段落总是以合奏的形式，尽管，几乎每一首爵士乐的经典曲目都能在迪克西兰爵士乐中找到其出处。总共有大约四十首左右的作品可以被认为是迪克西兰爵士乐的保留曲目，这些作品多年来久演不衰。在九十年代，迪克西兰爵士乐和新奥尔良爵士乐以及古典爵士乐一起都以地下乐队的形式继续存在。 代表人物 Eddie Condon Bob Crosby Charlie Teagarden Cool 冷爵士乐(或西海岸爵士乐) 1920'-1940' 冷爵士乐是在四十年代后期和五十年代，从波晋爵士乐直接演化而成的，这种音乐风格基本上是波普爵士乐和摇摆乐某些被忽视和抛弃的特点结合的产物。不和谐的声音变得流畅自然，曲调更为柔和，编曲重新受到重视，节奏部乐器的演奏也更为和谐，因为这种风格的音乐家主要都是以西海岸的洛杉矾为中心，因此这种风格也被人们称为西海岸爵士乐。一些冷爵士乐作品反映出古典爵土乐的影响，因此具有很强的实验性，而大多数冷爵士乐作品的音乐会都是精心设计的，非常迎合大众的口味。尽管大多数冷爵士乐风格的音乐家都有很长的音乐生涯，但是随着五十年代后期硬爵士乐从美国的东海岸兴起，最终超越了冷爵士乐的影响。 代表人物 Dave Brubeck Lester Young Stan Getz Big Band 大乐队爵士 1930'-1940' "Big band" 是指一组十个或以上的音乐家组成的爵士乐团，其成员结构通常为：至少三个小号手；两个或更多的长号手；四个以上的萨克斯手和一个负责节奏部分，并结合钢琴、贝斯和鼓几种乐器进行伴奏的乐手。尽管在1930年代和1940年代，在摇摆乐时代之前，有过大量的主要音乐风格的舞蹈乐队并且在摇摆乐时代之后又有着大量的主要音乐风格的现场乐队。但对于大多数乐迷而言，"Big band音乐"仍然代表着摇摆音乐， 尽管在摇摆乐诞生后繁衍出那么多以相似的手法演奏的风格迥异并且美如天籁般的和声与绝妙节奏的年轻乐手和歌手，当唱片店将大量的爵士乐手的作品搁置在一起，就好象它们都是同一种风格似的的时候，出现了分类的问题。商人们在将所有的大型爵士乐团的音乐进行大融合的同时，他们却忽略了演奏不同风格爵士乐的大型乐团的次第登场："摇摆乐"（艾灵顿公爵与贝西公爵）；"比波普"（迪兹.吉勒斯皮埃）；"酷"爵士（盖瑞。姆里根，庶迪。罗杰斯，吉尔。艾文斯）"硬波普"（杰拉德。威尔逊）"自由爵士"（Sun Ra 1950年代后的部分作品）"爵士摇滚"（Don Ellis' 和 Maynard Ferguson'的乐团 1970年代作品） 。他们并不都是摇摆乐队。 许多的听众认为"big band "代表着一种风格，而不仅仅是一种作曲方法。对他们而言，其旋律的编写和独奏的插入都是根源于1930年代所有大爵士乐团大融合时期的，其独特的节奏和和声手法均有别于同时代的其他爵士曲风，例如比波普，又比如另一时代木羰恳」? 另外一个很重要的方面就是由于1930年代和1940年代的媒体和爵士乐迷们对于爵士乐队的等级划分，而导致出现了许多复杂的节奏和频繁的即兴独奏表演，同时也导致了摇摆乐元素和即兴演奏成分的减少。以前叫"swing bands" 或 "hot bands" （如，艾灵顿公爵与贝西公爵），后来叫"sweet bands" （如，Glenn Miller's, Wayne King's, Freddy Martin's, and Guy Lombardo's）。尽管"big band "时代于1946年结束，但是它却开创了在爵士乐中使用大型管弦乐的先河，即使乐手们事实上并没有专业基础（The Count Basie Ghost Band除外）。乐队几乎全都是由筹划者领导~ Mark Gridley 代表人物 Frank Sinatra Benny Goodman Duke Ellington Swing 摇摆爵士 1940'-1960' 当新奥尔良爵士乐已经创造了即兴演奏的合奏之时，爵士乐在二十年代在美国社会逐渐流行起来，同时对于爵士乐的需要要求增加更多的舞蹈乐队。因此出现了对乐队的新要求，即在乐队拥有三支乃至四支号的时候，合奏的地位要降低。1924年，当Louis Armstrong加入了Fletcher Henderson的大乐队时，就可以算作是摇摆大乐队最早的出现。乐队中的唐·雷德曼的编曲大大辉映了短号手的松弛的演奏风格。真正摇摆乐在流行乐坛的确立则要算是1935年Benny Goodman大乐队的成功，直至1946年大乐队时代的结束为止，摇摆乐一直是美国流行音乐的一支重要的力量。摇摆乐不同于先前的新奥尔良爵士乐和迪克西兰爵士乐，通常乐队中的合奏更为简化，同时是作为更为成熟的独奏之间的反复演奏的连复段。而个人的即兴演奏也是主要是密切的建立在旋律的基础之上，其原因主要是由于音乐技法的进步。同以前的演奏相比，独奏的演绎更具有冒险性。在大乐队时代结束之后，摇摆乐风格的音乐家仍然坚持这种风格演出，他们的演奏堪称是一种主流的爵士乐。 代表人物 Count Basie Louis Armstrong Ella Fitzgerald Bop 波普爵士乐 1940' 波普爵士乐，又称比波普爵士乐，是一种激进的新的音乐风格。波普爵士乐从四十年代初期开始逐步发展，在1945年左右迅速发展成熟。波普爵士乐和摇摆乐最主要的区别是，波普爵土乐的独奏者参与和弦即兴演奏，经常在第一个主题演奏 　　

音乐之最 世界唱片之最 1.世界上最早的唱片 　　世界上第一张唱片是由美国工程师埃米尔·别尔利赫尔于1888年录制而成。这张唱片现存于美国华盛顿国家博物馆里。早期的唱片中间有两个孔，唱针由里向外转动。唱片只录一面，背面贴有文字说明卡。 　　2.最早的扬声器和电动留声机 　　1898年英国伦敦的霍雷斯·肖特获得专利的“奥格泽特弗恩”扬声器，是世界上最早的扬声器。这个扬声器利用了压缩空气的装置。最早用扬声器放大装置来代替耳机的电动留声机，是1925年美国俄亥俄州达比由克的布朗兹维克公司制造的布朗兹维克·帕纳特罗普的留声机。 　　3.最早的爵士乐唱片 　　世界上最早的爵士乐唱片是1917年3月7日开始销售的。这张唱片一面录有《新奥尔良爵士乐队歌曲》，另一面录有《紧张、坚定的一瞬》。演奏者是尼克·拉罗卡的原新奥尔良爵士乐队，由美国新泽西州卡姆登的皮克塔公司出版。 　　4.最早的歌剧唱片 　　1896年，法国帕台·弗雷贝公司开始销售世界上最早的歌剧唱片，这是一种圆筒型唱片，灌制录音的均是当时著名的歌剧演员。1903年，格拉莫冯公司的弗雷德·盖斯巴格，在意大利米兰录制的《丑角》，是世界上最早的歌剧全曲唱片，由歌剧作者列昂卡瓦洛亲自担任指挥。 　　5.最早的镀金唱片 　　美国的格伦·米拉乐团演奏的歌曲《卡达努加·秋·秋》，在1941年摄制的美国电影《桑·巴雷小夜曲》中曾使用过。同年，美国无线电公司开始销售这首歌曲的唱片，仅出售几个月就达到了100万张。为此，美国无线电公司特别制作了一张镀金的唱片赠给格伦·米拉乐团，以资庆贺。这就是世界上第一张镀金唱片。 　　6.最早的金唱片 　　金唱片是西方国家专门为了奖赏灌制唱片的歌唱家而设制的。某张唱片只要卖出了100万张，那么第100万张就称为“金唱片”。当然，歌唱者所获的这张“金唱片”并非金质，只是一种荣誉。世界上第一张金唱片录制的是列昂卡瓦洛（1858—1919）所作的歌剧《丑角》中的一段咏叹调，这是意大利著名男高音歌唱家恩里科·卡鲁索（1873—1921）演唱的。 　　7.最早的唱片图书馆 　　1914年，美国明尼苏达州圣保罗城图书馆开设了世界上最早的唱片图书馆。开馆伊始，只有当地妇女俱乐部寄赠的25张唱片，到1919年，图书馆所收藏的唱片已近600张，借出次数达3505次。 　　8.最畅销的唱片 　　个人唱片销售数最高纪录，是迈克尔·杰克逊创造的。他灌制的唱片集在全世界共销售出了数千万张，由于他在歌坛久盛不衰，所以他的这一记录还在不断地直线上升。第一张破100万大关的古典密纹慢转唱片，是钢琴家哈维·拉凡·小克立本杰演奏的柴科夫斯基的《钢琴奏鸣曲第一号》。世界上发行量最大的歌曲唱片，是由美国作曲家欧文·柏林所写的作品《我愿光明再生》，这是一首圣诞节颂歌，作品问世后的数十年间，售出的唱片数竟达5000万张。 　　9.最耐用的唱片 　　1977年8月20日，美国“旅行者1号”太空船，从美国肯尼迪角出发。太空船周围用几枚钛制螺栓固定着一个铝盒，盒里有一个瓷唱头，一个钻石唱针和一张喷金的铜唱片，唱片内录入了两个小时的音响节目，全是地球上的各种声音。其中自然界的声响有35种，可以播入12分钟，如风雨雷电、鸟鸣兽叫等等。除此之外，唱片中还收录了世界上60多种不同语言的问候语。整张唱片有四分之三录下了地球上各时代、各地区不同民族的音乐，共有27首之多，其中有一首是中国的古琴曲《流水》。这张唱片即使使用10亿年，音色也将嘹亮如新，堪称世界上最耐用的唱片。 　　10.最小的唱片 　　世界上最小的唱片，直径只有35毫米。该唱片所录制的是英国国歌。这种唱片是1924年由英国的一家唱片公司出品的，前后总共只制作了250张。今天，这种微型唱片已成为收藏家的宠物和博物馆的珍品。 音乐发明之最 1.最早的节拍器 　　发明于1816年，发明者是德国的约翰·内波穆克·梅尔采尔。他是机械乐器的创制人，曾研制出百音琴（即机械乐队）、助听器以及音乐节拍器。1816年，他发明的第一只较为完善的节拍器在奥地利首都维也纳首次与公众见面，从此，节拍器就不胫而走，成为全世界音乐爱好者的宠物。 　　2.最著名的三位小提琴制作大师 　　钢琴被称为乐器之“王”，小提琴则是乐器之“后”。小提琴艺术的发展是和小提琴的制作与革新休戚相关的。此举的有功之臣是意大利著名的提琴制作师安东尼奥·斯特拉第瓦利（1644—1737），他将小提琴持琴法从膝头移至夹在颚部。此外，在小提琴制作史上还有两个伟大的人物，他们是阿玛蒂和瓜尔涅利。这三位提琴制作大师均居住在意大利北部的克雷莫纳小镇。现在，出自克雷莫纳三位制作大师之手的提琴，往往价值数10万元。它们之所以如此昂贵，除了音乐上的实用价值外，本身还是一件造型优美的艺术品。 　　3.最有贡献的管乐器音键系统发明者 　　木管乐器从雏形到基本定型，经历了几个世纪，在改革发明者中成就最大的是德国慕尼黑的长笛演奏家、乐器改革家塞奥尔德·波姆。他试制成功了环键式长笛，设计了一整套合理的新指法，并从理论上取得了长笛近吹口四分之一部、管径接近于抛物线的精确数据，把管体的四分之三改为圆柱形管，使长笛的有效管长达到管径的30倍，从而使各音的八度关系都准确了。此外，他还把椭圆形的吹孔改成圆角矩形，并加大了音孔的直径，使音色更丰满、明亮。后来人们称他研制的长笛机械机构体系为”波姆体系“，并移植到其他木管乐器上，使木管乐器的结构基本达到完善。 　　4.最早的录音装置 　　美国人托马斯·阿尔巴·爱迪生在1877年设计的留声机，是世界上最早的录音装置。同年12月6日，爱迪生的助手、机械工人约翰·克卢西制造出了第一台样机，并用这台样机录制了爱迪生唱的歌《玛莉的山羊》。1878年4月24日，爱迪生留声机公司在纽约百老汇大街成立，并开始销售业务。他们将这种留机和用锡箔成的很多圆筒唱片配合起来，出租给街头艺人。最早的家用留声机，是1978年生产的爱迪逊·帕拉牌留声机，每台售价10美元。 　　5.最早的弦乐四重奏 　　18世纪以前的“原始乐队”并没有任何固定的编制，乐队成员的多少和乐器的种类，是由贵族雇用乐队的条件或作曲家的要求而确定的。 　　1755年，23岁的奥地利作曲家海顿受聘于冯贝格伯爵，在宫廷里专职作曲。当时的器乐曲流行用由两只小提琴合奏同一旋律，用大键琴伴奏。由于大键琴的音量较弱，低音部分有时就得用大提琴来加强。冯贝格伯爵的乐队一共只有四个人，两个小提琴、一个中提琴和一个大提琴，没有大键琴。这样的一个乐队编制使海顿颇伤脑筋。经过反复的研究，他把两只小提琴分为两个声部，让中提琴充当内声部，使和声效果更为丰富，彻底用大提琴替代大键琴来演奏低音部。于是，第一个弦乐四重奏团成立了。 　　海顿一生中共谱写了77首弦乐四重奏曲。迄今，弦乐四重奏仍一直被认为是最高雅、最富于表现力的一种音乐形式。 　　6.最快速度的钢琴调律 　　现代钢琴的弦架是铸铁制件，而老式的弦架由于材料和结构不合理，琴弦很容易走音，往往在音乐会的幕间还得临时调音。因此，早期的钢琴独奏音乐会，演奏者必须聘用一位钢琴调律师随场，以保证钢琴音调的准确性。 　　基于以上原因，乐器改革者曾别出心裁地进行了一系列革新，但大多以失败告终。由此，关于钢琴音色与音准问题，唯一可以改进的就是调律师的技术。第一是调律师的音准概念；第二是调音的速度。 　　1980年，美国纽约的但丁钢琴厂曾举办了一次专业调律师比赛。比赛的方法是：将所有参赛用钢琴调高一个半音，要求调律师在最快的时间内将所有音恢复到原来的音高。最后，调律师史蒂夫·费尔查尔特创造了4分20秒的最快调律速度而夺得桂冠。 　　7.最长的休止符 　　美国音乐家约翰·凯奇（1912－）是一位孜孜不倦的音乐试验家，他摒弃了传统的演奏技巧和作曲技法。以“加料钢琴”的先驱者出名，“加料钢琴”就是在传统钢琴的弦上或各弦之间，放上各种不同的物体，从而改变原来的音响和音色。 　　凯奇研究了机遇音乐、电子音乐的无音乐，这些音乐都缩小或间接地排除了作曲家的作用。他的作品《4分33秒》是最著名的、前所未有的无声乐曲，该曲的休止符长达4分33秒，创最长休止符的世界记录。 　　8.最早的磁带录音机 　　最早使用磁带的录音机，是“布拉特纳冯”型录音机。1929年，在英国埃尔兹利的布拉特纳色彩和音响摄影棚，为了使音响和摄影能够同步，使用了这种磁带录音机。这是在德国音响技师克尔特·休蒂雷的专利基础上，由制作人路易斯·布拉特纳设计的，也是最早采用电子放大器的录音机。1931年，英国广播公司购买了布拉特纳的第一台磁带录音机。 　　9.中国大锣 　　中国锣是人们非常熟悉的打击乐器，它是中国人在音乐方面的一项伟大发明。迄今为止，最早的出土实物是广西贵县泊湾一号古墓的西汉初期的一面铜锣，距今已有2000年的历史了。 　　有位外国音乐家曾说过：“一个交响乐队，没有一面中国大锣，就未免有些逊色。”俄罗斯著名作曲家柴科夫斯基（1840—1893）创作的《第六交响曲》（“悲怆”）中，恰到好处地运用了中国大锣，深深地打动了听众的心弦。世界上最古老的交响乐团——德累斯顿交响乐团使用的一面中国大锣，是我国清朝时制造的，它是进入西洋管弦乐队的第一件中国乐器。直到今天，大锣仍然是西洋管弦乐队和交响乐队必备编制中唯一的中国乐器。 　　10.近代音乐方面最伟大的发明 　　比利时人萨克斯于1840年发明的萨克管，被公认为几百年来在乐器方面最伟大的发明。萨克管是发明者萨克斯结合了铜管乐器和木管乐器的部分构造而创制的，它通过吹奏单簧片来发音，演奏方式类似木管乐器；但管身为铜制，乐器的发音方式更类似铜管乐器。这种乐器的音质浓厚、色彩丰富，是很受人们欢迎的新型乐器。到了本世纪，由于爵士音乐的盛行，萨克管日益成为现代音乐中的重要乐器。 电影音乐之最 1.最早在影片上发声的电影音乐 　　早期的有声电影是用放映机和留声机同时工作来发声的。放映电影时，工作人员必须手持唱机磁头、眼望银幕，在需要配乐时立即把唱机磁头放在唱片上。中国最早的发声电影，是1930年天一影片公司拍摄的《歌场春色》。该片由邵醉翁导演，宜景琳主演。1933年，联华影片公司摄制了《母性之光》，该片由田汉编剧，聂耳作曲。插曲《开矿歌》的曲调清新、刚健。同时二部合唱形式也第一次出现在电影音乐中。 　　2.世界上最早的电影音乐 　　电影从无声到有声，经历了一个巨大的转变过程。20世纪初，人们逐渐领悟到无声电影需要用音乐来渲染剧情，也可以以此掩盖放映机的噪音，于是就尝试在电影中加入音乐。1900年9月13日，澳大利亚墨尔本市政厅放映了世界上最早的配乐纪录影片《基督教的士兵》。这部纪录片长50分钟，由救世军巴依奥斯克普公司拍摄，为影片配乐作曲的是澳大利亚音乐家R·N·马卡诺里。1908年11月17日，法国巴黎公开放映的《基斯大公的暗杀》，是世界上最早配乐的故事片。这部影片由卡米尤·桑萨恩斯作曲。 　

音乐的各种常识 奏鸣曲Sonata 指类似组曲的器乐合奏套曲.自海顿.莫扎特以后,其指由3-4个乐章组成的器乐独奏套曲(钢琴奏鸣曲)或独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲(小提琴奏鸣曲) 　 交响曲symphony 大型管弦乐套曲,通常含四个乐章.其乐章结构与独奏的奏鸣曲相同 　 协奏曲concerto 由一件或多件独奏乐器与管弦乐团相互竞奏,并显示其个性及技巧的大型器乐套曲.分独奏协奏曲、大协奏曲、小协奏曲等 　 交响诗symphonic poem 单乐章的标题性交响音乐 　 音诗poeme 单乐章管弦乐曲，与交响诗相类似 　 序曲overture 歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。十九世纪又出现独立的音乐会序曲 　 前奏曲prelude 带有即兴曲的性质、有独立的乐思、常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引的中、小型器乐曲。 　 托卡塔toccata 节奏紧凑、快速触键的富有自由即兴性的键盘乐曲 　 幻想曲fantasia 形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲 　 随想曲capriccio 形式自由的赋格式的幻想曲，19世纪后是一种富于幻想的即兴性器乐曲 　 狂想曲rhapsody 始于19世纪初以民族或民间曲调为主要素材的具有鲜明民族特色的器乐幻想曲 　 练习曲study 为提高乐器演奏者技术水平而写的乐曲 　 无词歌songs wighout 抒情的小型器乐曲，有伴奏声部，旋律声部象歌曲样的钢琴曲 　 浪漫曲Romance 罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲 　 叙事曲ballade 富于叙事性、戏剧性的钢琴独奏曲 　 夜曲nocturne 流行于18世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，常在夜间露天演奏 　 小夜曲serenade 晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人在恋人窗前所唱的情歌 　 谐谑曲scherzo 诙谐曲。节奏强烈，速度较快、轻松活泼的三拍子器乐曲或声乐曲 　 间奏曲intermezzo 为歌剧或戏剧中的过场音乐或幕间曲；另一种为形式较自由篇幅较小的器乐曲 　 赋格曲fugue 拉丁文音译意为遁走。以复调手法写成的大型乐曲 　 卡农canon 纯以模仿手法构成的复调音乐形式 　 轮唱曲round 用同度或八度卡农手法写成的声乐曲 　 创意曲invention 复调结构的钢琴小曲。类似前奏曲或小赋格曲。巴赫始用此名称 　 练声曲vocalization 没有歌词而用韵母、音节或唱名演唱的声乐练习曲 　 回旋曲rondo 由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲 　 变奏曲variation 主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲 　 进行曲march 用步伐节奏写成的乐曲 　 特性曲character piece 指富于诗情画意和生活情趣的器乐小曲，主要是钢琴小曲 　 晨歌alborada 起源于西班牙西北部的加利西亚的田园风味乐曲 　 田园曲pastorable 原为欧洲16-17世纪一种乡村题材的戏剧表演，歌剧的前身之一。近代音乐中是模仿牧人所吹肖姆管曲调和圣诞吹奏乐的器乐曲或声乐曲，源于意大利。 　 船歌barcarolle 威尼斯船工所唱的歌曲以及模仿这种歌曲的声乐曲和器乐曲 　 悲歌elegy 表现哀伤情绪的声乐曲或器乐曲 　 摇篮曲berceuse 抒情声乐曲或器乐曲。描写摇篮摆动的节奏，近似船歌。 　 嬉游曲divertimento 18世纪欢娱宾客的一种器乐重奏组曲 　 即兴曲impromptu 偶发创作的抒情特性曲，19世纪成为器乐短曲曲名，形式类似歌曲 　 无穷动perpetuum mobile 从头至尾贯穿着急速节奏的乐曲 　 小品bagatelle 轻快，幽默的特性曲，常为钢琴小曲 　 幽默曲humoreske 富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快情致的器乐曲 　 新事曲novellette 始创于R.舒曼的一种钢琴特性曲 　 演绎曲paraphrase 14--16世纪教会音乐中的演绎曲是自由加工的素歌旋律。F.李斯特借用此名称称其为著名声乐曲和器乐曲，特别是为歌剧选曲所作的钢琴改编曲为演绎曲 　 舞曲dance music 根据舞蹈节奏写成的器乐曲或声乐曲 　 小步舞曲menuet 起源于法国民间的三拍子舞曲，因舞步极小而得名 　 加沃特gavotte 起源于法国民间的中速、四拍子舞曲 　 塔兰泰拉tarantella 起源于意大利的速度迅急、情绪热烈的舞曲 　 波尔卡polka 起源于捷克的速度较快的二拍子舞曲 　 华尔兹waltz 圆舞曲。一种起源于奥地利民间的三拍子舞曲。 　 马祖卡mazurka 起源于波兰民间的情绪活泼热烈的三拍子双人舞曲 　 波罗乃兹polonaise 波兰舞曲。起源于波兰民间的庄重，缓慢的三拍子舞曲 　 哈巴涅拉habanera 阿伐奈拉。由非洲黑人传入古巴的中速二拍子舞曲 　 探戈tango 起源非洲后传入阿根廷的中速、二拍子或四拍子的舞曲 　 独唱solo 由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏的演唱形式，有时也用人声伴唱 　 齐唱unison 两人以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一旋律的演唱形式 　 重唱ensemble 每个声部均由一人演唱的多声部声乐曲及演唱形式。按声部或人数分二重唱、三重唱、四重唱 　 领唱lead a chorus 由一人唱众人和的演唱形式 　 合唱chorus 两组以上的演唱者，各按本组所担任的声部演唱同一乐曲的演唱形式 　 无伴奏合唱a cappella 纯粹由人声演唱不用乐器伴奏的合唱形式 　 合奏ensemble 由多种乐器组成，常按乐器种类的不同而分为若干组，各组分别担任某些声部，演奏同一乐曲的演奏形式 　 伴奏accompaniment 由一件或多件乐器奏出，用以衬托主要的歌唱或器乐演奏部分。用以烘托舞蹈的器乐配乐也常称为伴奏 　 独奏solo 由一人演奏某一乐器，常用其他乐器或乐队伴奏 　 齐奏unison 两个以上的演奏者，按同度或八度音程关系同时演奏同一曲调 　 室内乐chamber music 通常指由少数人演奏，演唱的重奏曲、重唱曲。 　 二重奏Duet 由两件乐器分奏两个声部的室内乐 　 三重奏Trio 由三件乐器分奏三个声部的室内乐 　 弦乐三重奏string trio 由小提琴、中提琴、大提琴分奏三个声部的室内乐 　 钢琴三重奏piano trio 由钢琴与另两件乐器（弦乐器或管乐器）演奏的室内乐 　 四重奏quartet 由四件乐器分奏四个声部的室内乐 　 弦乐四重奏string quartet 由两个小提琴，一个中提琴、一个大提琴演奏的室内乐 　 钢琴四重奏piano quartet 由小提琴、中提琴、大提琴、钢琴演奏的室内乐

拉丁美洲音乐特点 在广阔的拉丁美洲，风土、人种极其多样，因此，在音乐方面也表现出各种各样不同的样式。如前所述，在人种方面，除了原住民之外，从地球上各个地方迁移过来的人种都在这里互相混杂，所以可以说，多元混合型文化是这一地区文化的最大特色。在这些混合因素中，最重要的有三：原住民印第安人的音乐文化；曾经征服和统治中、南美洲，以伊比利亚半岛人为主体的欧洲人的音乐文化；很早开始就作为欧洲人的农奴而被送到新大陆的非洲黑人的音乐文化。 一、 拉丁美洲音乐中的印第安因素 在哥伦布发现新大陆的1492年以前，印第安人是美洲的原住民，因此，其音乐文化成为当时美洲音乐文化的主流。1492年以后，教会音乐由耶稣会教士传给美洲土著居民，殖民当局镇压土著音乐，当地的节奏、旋律与欧洲的节奏、旋律逐渐混合而成新的、有特色的拉丁美洲音乐形式。因此，至今，仍可在拉丁美洲的音乐中寻探出许多印第安因素。 印第安人的音乐文化，根据部落状况的不同，难以一概而论，但是大致可作如下归纳： 首先，印第安人的音乐很多是和生活密切相关，与宗教、劳动、舞蹈相结合的，所以，一般说来，他们所拥有的旋律单纯而带有独特的表情。这种特点尤其在安第斯地带以民歌为基础的南美民间音乐（采用印第安的乐器和吉他来演奏）名曲《神鹰飞翔》中表现出来，没有半音的五声音阶，以do、 re 、mi 、sol、la的五音构成的旋律，形成独特的风格、趣味。 其次，印第安人的音乐节奏比较单纯。但是根据记载，在西班牙人征服墨西哥以前，在墨西哥，为了适应宗教性的舞蹈，已经具有了非常复杂的、由打击乐器敲打的节奏。另外，在印第安人的传统音乐中，没有欧洲意义上的和声。 再次，乐器方面，没有弦乐器是印第安人乐器的一大特色。虽然在当今的印第安人音乐中经常采用吉他、小提琴、竖琴等弦乐器，但是这些都是16世纪以来由欧洲人带来的，或者是接受欧洲的影响而在新大陆制造出来的。印第安人的传统乐器是笛、奥卡里（埙）等管乐器，或者是鼓、摇响器等打击乐器。管乐器中，最流行的是竖笛，用竹、芦或粘土焙制，还有排箫、鼻笛等。印第安排箫，在秘鲁叫安塔拉箫，在哥伦比亚叫卡帕多箫，在厄瓜多尔叫龙达多箫，在玻利维亚叫西克斯箫。有人将各种排箫统称为桑波尼亚（zampona）。印第安人的打击乐器尤其丰富多彩。常用烧空的树干制鼓，如墨西哥的特波纳斯特尔、巴西的特罗卡诺；果壳可用作刮响器，也可用作空心摇荡器。摇荡器的统称是马拉卡斯。此外还有“地鼓”、丛林鼓等。印第安人通常赋予他们的笛和鼓以人性，有的属阴，有的属阳。例如，马拉卡斯是阴，吉伊洛是阳。巴拿马的古那印第安人有两种托洛笛，其中只有一孔是阳笛，四孔是阴笛。 在中、南美洲被欧洲人征服后的头几个世纪里，教会把印第安人的鼓和笛视作异教的设备而禁止使用，但是无效。土著音乐依然保存了下来，最后成为社会生活的一部分，甚至进入教堂。在中、南美洲城乡举行的节日或街头庆典中，基督教和原始宗教奇异古怪地结合在一起，欧洲音乐和印第安土著音乐两种成分并存。但是更多的情况下，是印欧混合而形成一种新的形式、体裁和风格特点。 二、 拉丁美洲音乐中的欧洲（伊比利亚）因素 欧洲伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙音乐文化，一方面具有和西欧音乐文化相通的一般性共同基础，另一方面，在这个半岛上，自古以来就遗留下一部分重复积演的东方各民族音乐文化的影响，而独具特色。无论是音阶、旋法，或者是节奏、和声、歌唱发声法，在多方面都表现出欧洲其他地区所没有的因素。特别是它的节奏，和舞蹈流行地区的基础相结合，而呈现出独特的发展趋向。其中，很多是3拍子的音乐，但不像圆舞曲那样单纯的刻意于每一拍上，而把每一拍分割成细小的音符，创造出独特的律动感。如“波莱罗”舞曲型的节奏等。另外，像让3/4拍子和6/8拍子在每隔一小节交替那样的复杂而有生气的节奏，也是西班牙人和葡萄牙人所喜欢的。这样的伊比利亚的节奏感觉在拉丁美洲原原本本地流传下来，进而和印第安节奏，特别是和非洲黑人的节奏相连结在一起，产生出更加丰富多彩而且微妙的节奏感觉。 不仅在节奏方面，而且它如旋律、和声方面，伊比利亚音乐都给予拉丁美洲整个地区以基本性的影响。 乐器方面，以被称为“西班牙国民乐器”的吉他为代表的乐器，在拉丁美洲所有国家受到欢迎。并且运用几种不同的吉他。古巴的特雷斯（Tres,是“三”的意思），是只有三根弦的吉他；夸特罗（Cuatro，是“四”的意思），是四弦吉他；蒂普乐（Tiple的词意是“高音”），音区很高，没有低音弦；恰兰戈，是指一种简单的家庭自制吉他；比奥劳，是巴西的狂欢欢节吉他。当地音乐的和声风格往往受吉他定弦的影响，甚至有人说，他所使用的是在吉他上能够找到的和弦。此外，竖琴、小提琴、长笛、竖笛、小号、手风琴、鼓类乐器等，丛西班牙或者欧洲传来，如今在拉丁美洲各国都成了不可欠缺的乐器。这些欧洲乐器在拉丁美洲经常按照当地居民的需求而进行改造。例如：在安第斯地区的小型吉他恰兰科，是用小动物犰狳类的硬甲壳作为共鸣体的，在欧洲人眼里看来，这就诞生了一种新的珍稀乐器。 拉丁美洲的歌唱，因为歌词是西班牙语或者葡萄牙语，所以能够感受到和英语歌唱的不同风格。在民歌或大众性歌曲中，经常感受到情绪的丰富、凝练。然而，对涉及拉丁美洲全体音乐给予影响的欧洲音乐，决不只是伊比利亚的民歌、民俗音乐、都市性通俗歌曲，歌剧和小歌剧等舞台音乐，另外，也有很多像小步舞、圆舞曲、音乐形式传入拉丁美洲后，也获得了当地的色彩。如：维也纳圆舞曲变成了“热带圆舞曲”；慢步波尔卡式的轮舞肖蒂希（schottische），演变成略带切分节奏的拉丁美洲曲调，名字拼成chotis ；2/4拍子的波尔卡，在巴拉圭变成了3/4与2/4拍子的结合；西班牙波莱罗是3/4拍子，在古巴则变为2/4拍子；巴西的进行曲不是德国式的军队进行曲，而是类似于一种狂欢节舞曲。 三、 拉丁美洲音乐中的非洲黑人因素 拉丁美洲，在从16世纪初到19世纪后半叶的奴隶制度中，吸收了大量的非洲黑人及其音乐文化。由非洲黑人带来的传统音乐文化，和在北美的勃鲁斯、黑人灵歌、爵士乐、灵魂音乐（一种美国黑人音乐）中通常看到的那样，在拉丁美洲也表现了强烈的主体性。 在非洲黑人的音乐中，有和宗教相结合的，以及单纯世俗性的两个方面。无论哪一方面，其旋律、节奏、唱法都表现出显著的特色。旋律方面，和已经叙述过的印第安音乐一样的表现出对于五声音阶的倾斜，其中带有特别的性质。音色方面，黑人具有十分独特的音质，他们所表达的情感往往给人留下深刻的印象。唱法方面，独唱和合唱、齐唱通常是相互交替进出，一呼一应的对答形式的唱法为特征。 非洲黑人音乐的最大特色是他们与生俱来的良好而丰富的节奏感。在拉丁美洲的古巴、海地、巴西等黑人人口很多的国家，有大小不同的鼓、摇响器、擦弦体鸣乐器等，使用多种多样的打击乐器，产生出复杂而丰富多彩的节奏、节拍。这些非洲支系的美洲黑人的音乐节奏，大致上是以2拍子为基础的，但是，决不像进行曲和狐步舞那样单纯地分割成2拍子。通常是以两种、三种，甚至还有三种以上的节奏型同时重叠进行的混合节奏，不断加入切分音（错开强拍位置），产生出充满活力的律动。以伦巴、曼博、桑巴为代表，今天作为“拉丁节奏”而广受世界欢迎的音乐，几乎都是以非洲节奏。在拉丁美洲，非洲的节奏是接受了西班牙音乐节奏的影响，而发展成为自己独特的东西的。

交响乐队的乐器组成 我们可以根据这不同的演奏方法，把种类繁多的乐器划分为几个组：用弓拉的弦乐器是一组，用嘴吹的管乐器又是一组，这一组乐器由于构造的材料不同还可以分为木管乐器和铜管乐器两组，最后，用手来敲打的叫做打击乐器，也自成一组。 一、弦乐器组 我们看到，弦乐器组基本上占满舞台的前半部，它是乐队中最重要的一个组成部分，在数量上占绝对优势一般在一个由一百人组成的交响乐队中弦乐器组就有六十到七十人。这是因为弦乐器组拥有宽广的音域又可以通过不同的运弓方法而获得各种色彩和力度的变化，再由于它便于奏出悠缓的长音，而不必象管乐器那样需要经常换气，可以自始至终不间歇地演奏，最后，它那格外温暖和富于表情的音色，又最适于表达人的复杂多样的思想感情和内心体验，历有这些，很自然地使弦乐器组成为整个交响乐队的基础。 弦乐器组包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴四种乐器，这些乐器的形状大致相似，只是体积大小不同，相应地各自的音域也不一样。弦乐器组中的每一种乐器都有一位首席演奏者。 小提琴在弦乐器组中体积最小，音域最高，它的表现力格外丰富多样。在演奏技术方面，小提琴在全乐队中也最灵活，它适于演奏任何速度和形式的乐句，包括带有和弦式进行的乐句。因此，小提琴在乐队中总是起着主导的作用，它可以称为交响乐队的“心脏”。在乐队中小提琴演奏者一般有二十三人到四十二人不等。从十八世纪开始，小提琴便习惯于划分为第一小提琴和第二小纪琴两部。第一小提琴多半演奏乐曲的主要旋律，第二小提琴有时也同第一小提琴演奏同样的旋律型、即同第一小提琴齐奏或者保持比第一小提琴低八度、低三度或者低六度的旋律进行。因此，第一小提琴和第二小提琴一般都排在舞台的左方，第二小提琴列在第一小提琴的后面；但也有把小提琴声部全部排在舞台前列的情况、即把第一小提琴排在指挥的左边而把第一小提琴排在指挥的右边。因为第二小提琴有时也同弦乐器组的其它弦乐器一起为第一小提琴伴奏，在这种情况下；由于它的排列位置同其它弦乐器较相靠近，音响也轻易融洽在一起。有时候作曲家由于需要造成特殊的效果，还把小提琴细分成更多的声部，例如瓦格纳的乐剧《莱茵黄金》中甚至把小提琴细分为十二个声部，但这种情况终究是比较少见的。 中提琴的外形同小提琴一样，但体积稍为大一点。中提琴的声音稍低，不如小提琴那样清丽，但它那不大透明的带点忧郁色彩的音色，在乐队中却也是不可多得的。中提琴进入乐队后并不是马上就有机会发挥出与它本身相称的作用。在巴赫相亨德尔的复调音乐中，中提琴与其它弦乐器同处于平等的地位。但是后来的作曲家并不重视中提琴的这一独特色彩，仅仅招它作为乐队的中间声部或者低声部来处理。只是在贝多芬和浪漫乐派作曲家曲作品中，中提琴才成为下种演奏旋律的乐器。帕格尼尼、相辽兹和理查、施特劳斯还为中提琴写了一些著名的独奏声部和独奏曲。中提琴在乐队中通常排在大提琴后面斜对着指挥者的地方，人数有八至十二人不等。一般说来，它多半是同其它乐器、特别是同大提琴一起演奏同样的旋律。 大提琴的外形也同小提琴和中提琴近似，但它的体积要大得多，相当于中提琴的两倍大小。因此大提琴不可能象小提琴和中提琴那样放在肩上演奏，它只能竖立在地上，演奏者也只能坐着演奏。大提琴的体积比中提琴大，但是它所用的弓却比后者要短一些；大提琴的声音比中提琴低—个八度，但是它的音色却比后者明亮、深厚。大提琴便于演奏宽广的歌唱性旋律，同样也能演奏朗诵式的宣叙调。换句话说，它便于抒发安宁的心境，也能够体现内心的激动，总的说来，它主要是一种旋律性乐器。但是大提琴在乐队中也长期没有机会发挥它应有的作用，直到十八世纪末，作曲家基本上只把它当低声部使用，到十九世纪初还遗留着这个传统的痕迹、即在总谐上用一行谱表来记写大提琴和低音提琴两个声部。可以说只是到贝多芬时才初次充分揭示大提琴的音色的美——这方面，我们只要学出他的《第五交响曲》绍二乐章大提琴的歌唱和《第九交响曲》最后乐章的宣叙调，就足以充分说明了。同小提琴一样，也有不少作曲家为大提琴写过一些著名的协奏曲，此外，在歌剧、舞剧和交响乐作品中，也时常可以看到大提琴的精彩段落。里查施特劳斯的交响诗《唐·吉珂德》还把大提琴用以代表这个愁容骑士的形象。大提琴一般排在舞台右前方，但是如果按另一种乐队排列方式，即把第二小提琴排在舞台右前方时，大提琴则移到第一小提琴的后面，或者，同中提琴调换个位置，排在第二小提琴的后面。大提琴在乐队中的人数同中提琴基本上相等。大提琴除了独立演奏旋律或者同其它一些乐器一同演奏旋律之外，也时常用来伴奏，这时候它往往同低音提琴共同成为弦乐器组的低声部。大提琴声部有时还细分为两个、三个或更多的声 部，罗两尼的歌剧《威廉·退尔》序曲第一段开始处的大提琴分成五个声部，就是一个很好的范例。 低音提琴在弦乐器组中是体积最大的—种乐器，它相当于大提琴的两倍，因此演奏者只能站着或者坐在高凳上演奏。低音提琴的音域最低，在乐队中多半起低音基础的作用，这同它的名称是正相将合的。低音提琴较难演奏快速活跃的旋律，也极少担任独奏，但它同大提琴一起演奏旋律时却有很好的效果。低音提琴在乐队中总是排在大提琴的后面，从舞台右端或左端开始围成一个半圆形，仿佛用来增强大提琴的力量似的。低音提琴卢部的人数一般在四到十人不等。 综上所述，我们可以看到弦乐器组中的四种乐器的外形都相类似，只是大小有所不同而已。这些乐器都有四根琴弦，但是低音提琴也有用五根弦的，有五根弦的低音提琴还可以多奏出四个更低的音。总的说来，乐器的体积越大，发出的声音越低。小提琴可以奏出最高的音，低音提琴可以奏出最低的音，它在弦乐器组中是声音最低的一种乐器。同时，还可以看到，弦乐器织中所有的乐器都易用弓拉弦发声的。提琴运弓的技术相当复杂，弓法有很多变化，有时平稳流畅，有时断断续续，有时急剧跳动，再加上左手的揉弦，还可以发出各种不同效果的美妙乐音来。此外，例如用手指轻按琴弦发出泛音效果，或者不用弓拉而改用手指拔弦，在交响乐演奏中都是常可遇到的。 二、木管乐器组 木管乐器组包括长笛、双簧管、单簧管和大管四种主要乐器，此外，这四种乐器又各有它的变形乐器——即短笛、英国管、低音单簧管和低音大管，在交响乐队中也常要用到。木管乐器是用一种精选的木头挖成管状形体并借吹气以发声的乐器，我们所说的“木管”正也就是因为它本身使用的材料而得名的。但是实际上木管乐器并非全是木质的，例如长笛，在十八世纪常有用象牙、水晶、甚至用金子做成的，而现在，则用金属或者有机玻璃制成。我们知道，弦乐器组的各种提琴的外形大致相似，而且几乎同在一个历史时期形成。但是木管乐器组则不然，它的发展很不平衡、其中有的在远古就已闻名，但有的很晚才出现；而且，木管乐器组所有乐器的制作至今一直还在改进和完善。各种木管乐器各有其独特的外形和构造，吹奏的姿势和方式也不尽相同。木管乐器的声音不如弦乐器那样饱满，它的力度变化也不如弦乐器灵活。但是木管乐器的音色多样，音域宽广，它可以激化弦乐器的音响效果，也可以使铜管乐器的音响得到和缓，使整个乐队更加融洽和统一。木管乐器组中的每一件乐器多半单独演奏，可以充分发挥各自惊人的灵巧，它不象弦乐器组那样主要是策体的表演。木管乐器组的每一种乐器一般只用两个到四个，因此，这一组的总人数要比弦乐器组少得多。木管乐器组一般排在舞台的正中，位于第二小提琴和中提琴的后面。 长笛是世界上员古老的乐器之一，早在古代埃及、希腊和罗马就已有了，到十二世纪在欧洲已经十分流行。长笛长时期分成竖笛和横笛两种类型：竖笛音色柔和，富于诗意，主要用于室内乐中；横笛声音较响，常与小鼓同时应用于军乐队中，十七世纪末开始用入欧洲早期的交响乐队，到十八世纪下半叶它已经在乐队中占据牢固的地位。这时候，它同竖琴和古钢琴一样，也是家庭音乐演奏最普遍受欢迎的乐器。长笛的制作不时在改进。一直到十九世纪中叶才基本上达到完善的程度。长笛是木管乐器组中最灵活的一种乐器，它便于出色地演奏音阶或琶音的技巧性乐句，至于断音的演奏则更是无可匹敌的。长笛在交响乐队中通常有两个到三个，它的基本任务是演奏旋律、即重复其它乐器声部或者单独演奏，例如两个长笛齐奏，或者相隔三度、六度或八度不等。 长笛的变形乐器——短笛，在交响乐队中也常可看到。短笛的长度还不及长笛的一半，它的声音比长笛高八度；短笛的音响有穿透一切的特点，即使在整个乐队的全奏中，短笛的尖锐的啸叫同样清晰可闻。短笛一般在高八度位置重复长笛或者其它乐器的声部，它往往由第三长笛兼任演奏。 在木管乐器组中除长笛外，都是通过哨片发声。双簧管和大管使用双片哨片(或称簧片)，单簧管使用单片哨片；双簧管在这类使用哨片发声助乐器中是声音最高的一种。双簧管起源也很早，它的前身类似原始的芦笛，看来它是从近东传入欧洲的。在十七世纪，双簧管主要用于军乐队中，有时在歌剧乐队中也可以看到它。总之，在这整个世纪中它一直是很走远的。到十八世纪，双簧管实质上已经相当完善，并开始进入交响乐队的编制，亨德尔在这时候为双箕管历写的协奏曲，甚至对今天的演奏者说来也坯有一定的难度。双簧管主要不是一种技巧性的乐器，它以柔美抒情的歌唱性见胜；双簧管的音色不象长笛那样冰冷，而是比较温厚、典雅而清新，常用以描绘大自然或乡村的宁静生活，有的俄岁斯作曲家还用它代表东方的色彩。在交响乐队中双簧管的基本作用也是演奏旋律，它或者独奏，或者重复其它的声部。由于双箕管在结构上有许多优点，它的音准可以经常保持不变，因此，整个乐队都要以它为准，已经成为一种传统习惯。 双簧管的变形乐器——英国管(或称中音双簧管)，在十八世纪巴赫和格鲁克作品的乐队中已经出现但那时候它的名称是“猎角”(oboeda caccia)。英国营的声音比双簧管低五度，由于它的音色特殊，在古典交响曲的产生和发展时期都不曾使用过它，只是到十九世纪上半,叶在法国才开始用于编制自由的歌剧乐队英国管常被当做装饰性的乐器使用，例如在罗西尼的歌剧《威廉·退尔》序曲和柏辽兹的《幻想交响曲》中，用来作为山民的牧笛，借以描写田园的景色，这是因为它的音色具有静观、限想的特点的缘故。在乐队中，英国管一般由第二或者第三双簧管兼任演奏。 单簧管的外形同双簧管有点相似，但是它比共它木管乐器较迟用入交响乐队中，大约是在十八、十九世纪之交才开始被采用的。单簧管的原名“clarinetto。”，同拉丁文“明亮的”(Clarus)一词有联系，这正好也部分地说明了单簧管的音色特点。十九世纪中叶单簧管在技术上已经达到高度完善的程度，但是为了演奏方便起见，演奏者在演奏升记号调乐曲时，还是喜欢选用A单簧管，而在演奏降记号调时则改用降B调单簧管。单簧管也是一种十分灵活的乐器，不管是富于表情的歌唱，还是快速度的技巧性乐句，以及音阶、琶音、跳跃进行和颤音等，它都可以得心应手地奏出。单簧管还有一个十分可贵的特点、即可以随意变换音响的力度，特别是渐强和渐弱的变化正是由于上述这些特点，单簧管才得以成为交响乐队中最富有表情的声部之一，它的作用主要也是演奏旋律。单簧管的变形乐器——低音单簧管，只是在1836年在梅叶贝尔的歌剧《新教徒》中才初次用入交响乐队，它的低音区比单笛管的音域增加一个八度，在乐队中一般由第三或者第四单簧管兼任演奏。 大管在木管乐器组的四种基本乐器中是音域最低的一种，大管的管身很长，因此做成两个管子重叠在一起的样式，就象它的意大利原名“fagotto”所表明的那样，象是“一捆木柴’。大管远在十七世纪就已开始用入交响乐队但是它只是在十八世纪下半叶才最后在乐队中站住脚。大管在交响乐队中的数量起先不定规，从一个到八个不等；在亨德尔的时代，人们由于特别喜欢大管，它的数量有时候甚至多于小提琴，例如，小提琴用三个，而大管却有四个。在现代交响乐队中，大管和其它木管乐器一样，一般用二至四个，包括它的变形乐器在内。大管在技术方面也是相当灵活的一种乐器，但是它的特长也同双簧管一样，并不在于技巧性的表演；它可以很好地演奏旋律，但是很多作曲家却喜欢利用它的特殊音色、让它扮演幽默的角色。大管的变形乐器——低音大管，到十九世纪末才最后定型，也就是从这个时候开始，在一个三管编制的大型交响乐队中也逐渐时常用到它。低音大管在乐队中一般由第三大管兼任演奏。 三、铜管乐器组 管乐器组位于舞台右方中提琴的后面，同木管乐器组紧相邻接。由于铜管乐器和木管乐器的音质有其共同的一面；其表现性能也有一定的近似，这两组乐器接邻排列还是比较恰当的。铜管乐器组包括法国号、小号、长号和大号以及它们的一部分变形乐器——短号和低音长号等。这些乐器因用铜质材料制造而得名。但是在古时候，一些用角、骨和贝壳做成的乐器也归入“铜管”乐器一类。铜管乐器组的形成在交响乐队中比其它各组乐器都要晚些——小号本身有着几百年的历史，但是大号却只是在十九世纪才出现。铜管乐器在乐队中的作用很大：尽管它在技巧的灵活性和表现力方面都不及弦乐器组和木管乐器组，但是铜管乐器组的威力之大却是其它组乐器所不可企及的。在有力的全奏中，铜管乐器组是乐队的支柱，它的音响饱满而有光辉。在交响乐创作的最初尝试中；铜管乐器的数量比现代交响乐队要少得多，有很长一段时期，只限于使用两个法国号和两个小号。至于长号，则是用于祭祀或歌剧音乐中，交响乐队极少用到。大约到十九世纪二十至四十年化铜管乐器组在交响乐队中的地位才稳定下来，它多半拥有四个法国号、两个或三个小号、三个长导和一个大号。铜管乐器组也时常自行结合为四声部合奏，例如四个法国号的重奏或者三个长号和一个大号的四重奏等。 现代法国号的前身是号角。在远古时代，号角的信号总是宣告战争的开始。在中世纪一直到十八世纪初，号角的辉煌灿烂的声音，在行猎、竞技和宫廷仪式中都可以听到。法国号的德文原名“wald—horn”就是“林中号角”的意思。古老的法国号即自然音法国号，它的金属号身很长，如果把它的号管放直，有的长达将近六米，由于法国号的号管弯卷成圆形，所以它的俗称又叫做圆号，直到十九世纪二十年代，乐队中使用的一直是这种自然音法国号。现代经过改进的法国号都带有活塞机械装置，便于奏出半音阶中所有的音，所以又叫做半音阶法国号。现代法国号的音域很宽，但是一个演奏者对法国号的不同音区并不是同样能自如掌握的，因此，在乐队中，基本上第一和第三法国号专管它的高音区，而第二和第四法国号则主要演奏低音区。现代法国号在铜管乐器组中是最富有诗意的一种，它的声音有点闷，不如其它铜管乐器响亮，因此，它的音色很好地成为木管乐器和铜管乐器之间的纽带。法国号的技术性能也很丰富，它便于奏出长音、顿音、颤音、快速的同音反复以及跳跃进行等，不过它的特长还是在于如歌的咏唱，许多作曲家都注意到法国号的柔美的歌唱性，时常让它发挥演奏旋律的作用。有时候，为了特殊的需要，还可以用右手伸进法国号的喇叭口，或者加用弱音器以改变其音色效果，有时候演奏时把喇叭口朝上，也可以获得特别强有力的音响效果。 在铜管乐器组中，小号的音色最为典型。中世纪在西欧音乐文化中，小号成为王室或骑士的乐器，它是代表“英雄”的，常用于战争或队列之中。小号进入交响乐队之后，它的这种作用甚至也还保持了下来，曾经有过一段时间，小号在乐队中坐在特别显眼的位置，比其它演奏员都高一些。因此，许多作曲家时常给小号尽可能多的表演机会，这方面只须举贝多芬的《列奥诺拉》序曲和瓦格纳《众神的末日》中的葬礼进行曲两个例子，就足以说明问题。小号几乎从它诞生时起就开始为乐队历采用；十七世纪初在意大利作曲家蒙特威尔第的歌剧《奥菲士》的乐队中已经有五个小号。同法国号一样，小号长时间也是一种自然音乐器，带有很长的管身，只能发挥象军号合奏一类的作用，只是到十九世纪三十年代，它才有新的活塞装备。小号在铜管乐器组中是音域最高的一种，它的音色宜于表现雄伟、庄严、节庆、凯旋、胜利的情绪，但抒情性不是它的专长。小号在乐队中不但演奏旋律，或者用作和声背景，甚至也可以作为节奏基础小号除了擅于提供有威力的音响之外，它的技术性能也很丰富，如各种不同的乐句、断音、快速的同音反复都可以胜任。 小号的变形乐器——短号，主要用于军乐队短号的外形同小号极相近似，只是号身短了一些，它的音色不如小号那样明亮、雄伟但更甜更富于歇唱性，技术性能也比小号灵活。短号在交响乐队中第一次露面是在十九世纪三十年代，象柴科夫斯基的《意大利随想曲》中的短号二重奏一段和舞剧《天鹅湖》中的《那不勒斯舞曲》中的短号独奏都是有名的范例。 长号当它早在十六世纪最初三、三十年间出现时就已经是现在这样的样式，它从一出生就是一种半音阶乐器。长号长期自成一族，有大小不同的各个种类，现在的乐队采用的是上中音和低音的两种长号的技术性能虽然比较有限，但它有其不可替代的特质——长号在瓦格纳的歌剧《唐豪塞》序曲中强力的歌唱和在歌剧《罗恩格林》第三幕前奏曲中爆发出的威力，都是它的特点所在。长号三重奏在交响乐队中是最典型的用法，时常用于英雄性或者悲剧性的段落中。大号在铜管乐器组中体积最大，发音最低，但却最“年青”，它在十九世纪下半叶中才开始用入交响乐队作为三个长号或者整个铜管乐器曲的补充低声部，它的作用相当于弦乐器组的低音提琴和木管乐器组的低音大管。 四、打击乐器组 交响乐队的最后—组乐器是打击乐器。打击乐器在乐队中没有独立的意义，它除了一般用以增加乐队音响的光辉和华彩，或者用作声音模仿的目的之外，主要是从节奏上强化乐队的音响，它在节奏方面所起的作用和造成的效果，在整个交响乐队中没有一件乐器可以同它相比。打击乐器的种类、样式和质地以及发音方法都很不相同，从制作材料上说，有的用皮，有的用金属或者木材。打击乐器组所有的乐器可以分成两大类：第一类可以调整音准，即可以发出一定高度的音，这类乐器包括定音鼓、木琴、排钟、管钟和钢片琴等；第二类不能调整音准，没有一定音高，这类乐器包括三角铁、铃鼓、响板、钹、小鼓、大鼓和锣等。打击乐器组一般排在舞台后沿偏右的地方，位于铜管乐器之后。 看来，打击乐器在世界上可以说是历史最悠久的乐器，人们在学会利用弦线和哨片发出声音之前，已经在木头或瓦罐上打出节奏来。在原始社会的整个历史都有最简陋的鼓存在。有一些打击乐器，如锣、木琴、鼓和响板等，是从古代东方传入欧洲的，其中象响板这种乐器，一直被用于欧洲民族的舞蹈音乐中。打击乐器用入歌剧和舞剧乐队的时间较早一些，只是到十八世纪下半叶才有个别打击乐器，如定音鼓等开始用于音乐会乐队。但是，随着标题音乐的发展，为了充分揭示作品的情节内容，打击乐器也广泛地被采用。打击乐器的数目虽不定规，纯粹根据作品内容的需要而定。 定音鼓在打击乐器组中是最常用的乐器，它的形状很象一只铜制的半球在这半球的横断面有一块张紧的皮，可以通过机械调出一定的音高。定音鼓在乐队中一般用三至四个，由一个人演奏。定音鼓可以运用各种敲击技术，例如滚奏等造成各种不同的效果，从而大大丰富了交响乐队的表现力。定音鼓难得也有一小段独奏，如柏辽兹的《幻想交响曲》和《安魂曲》中大胆而很有效果的例子便是。 大鼓有两种类型：一种是两面都蒙有鼓皮，这样的大鼓多半用于军乐队、爵士乐队和美国的交响乐队中；另一种只有一面鼓皮，而另一面却是空着，这样的大鼓最初在法国出现，很快地就传遍欧洲的交响乐队。 小鼓同大鼓一样两面都蒙有鼓皮，但它下方一面鼓皮上还有几根绷紧的弦线，使敲击时产生噼啪作响的效效果。小鼓可以提供十分复杂多样的节奏型，多半伴随着进行曲或舞曲而出现；在个别情况下，小鼓也可以发挥主导的作用，例如在拉威尔的《波莱罗》舞曲中，小鼓(先用一个，后来是两个)自始至终维持着全曲的节奏律动。 钹的打法除常见的双钹互击之外，还可以用大鼓接猛击一面钹，使发出颤动不已的锣声一样的效果，又可以用小鼓捶在一面钹上滚击，使产生一种特殊效果，这些都是为戏剧性目的而采用的。钹同大鼓往往同时使用，在中小型的乐队里，钹和大鼓通常交给同一个人演奏。 铃鼓原是古代东方广泛用以伴舞的一种乐器，传入欧洲后成为意大利、西班牙和茨冈人伴舞的民间乐器之一，在交响乐队中主要也是用以强调意大利、西班牙、东方或者茨冈舞蹈音乐的地方色彩。 三角铁是交响乐队中最小的一种乐器，用弯曲成三角形的钢条制成，它的音色清明纯净，用入歌剧乐队后，很长一段时间总是同大鼓和钹同时出现，作为演奏所谓“土耳其音乐”、即异国情调音乐必不可少的参加者。 响板有两种：一种是舞蹈演员随身伴舞使用的，另一种是交响乐队乐器，两者外形有所不同。响板也是从东方传入欧洲的，并且主要成为西班牙伴歌伴舞的一种真正的民间乐器，在交响乐队首先也是用于西班牙舞曲性质的音乐中，如波莱罗舞曲和凡旦戈舞曲等。 锣纯粹是中国的乐器，在十八世纪末传入欧洲后首先用于歌剧乐队中模仿丧钟或警钟，随后也为交响乐队所采用。大锣的声音低沉浑厚，敲击后声音可以持续振动很长时间，有时候在一部篇幅相当长的作品中，锣却只有那么一击，但它却给人留下深刻的印象。锣声常用以描绘发生重大事件的一瞬间，例如在里姆斯基科萨科夫的交响组曲《舍赫拉查德》中，就是用锣声表示辛巴德的船触礁沉没的一刹那。 在打击乐器组中可以演奏旋律的乐器有木琴、排钟、管钟和钢片琴等：木琴在南美洲、亚洲和非洲有各种不同的样式，欧洲只是到十九世纪初才用作音乐会乐器。木琴用许多大小不同的平木板构成，也是一种十分灵活的乐器，各种急速的乐句、颤音和滑音的特殊效果，它都便于演奏。木琴音色枯干、尖锐，色彩特殊，常用于需要特殊表现的场合。 排钟在早期名符其实地象一排小钟一样，一直到十九世纪中叶才开始改用长短和厚薄各不相同的钢片制成今天的样式，排钟的音色柔和清澈，常用以重复高音乐器的声部。交响乐队使用的管钟，用一根根长短不同的钢管构成，每根钢管只能发出固定的一个音。 管钟在乐队中用得较少，它多半用以模仿钟声效果，柴科夫斯基的《一八一二年》序曲中的管钟效果便是一例。 钢片琴是一种小型的键盘乐器，它的外形很象一架小钢琴，但是它的内部采用排钟那样的钢片以代替钢琴内部的钢弦。钢片琴的音色明亮、清脆，又柔和、悦耳在乐队中运用得当非常富有效果。 交响乐队保了上述四组乐器之外，还时常用到一个或者两个竖琴。竖琴的起源极早，是一种用手指拨奏的多弦乐器，它从十八世纪在歌剧乐队中出现后，大都作为装饰性乐器，即主要用以模仿诗琴或六弦琴的音响，使听者在想象中恢复古代的形象。由于竖琴的音域很广，技术性能相当丰富，演奏快速乐句、琶音、和弦和滑音等，都十分灵活，所以从十九世纪中叶开始，作曲家便广泛地把竖琴用于交响乐队中。柏辽兹的《幻想交响曲》圆舞曲乐章使用两个竖琴的著名声部奠立的技巧性风格，至今一直是经典性的范例。竖琴在乐队中很少用两个以上。瓦格纳的《莱茵黄金》使用了六个竖琴，那是少见的例外。竖琴一般位于舞台右方，在大提琴的后面。 我们已经把交响乐队中各组乐器都简赂介绍过了，现在再讲一讲这些乐器在数量上的比例关系。上面说过，弦乐器组的乐器数量最多，单是第一小提琴就有十多个，但是其它各组中的每一种乐器一般只用两三个，甚至也有只用一个的。每一种乐器所能奏出的音是不尽相同的，有的容易奏出高的音，有的容易奏出低的音，有的容易奏出快速度的活泼的旋律，有的则适合于奏出徐缓悠扬的曲调。把这些不同性能的乐器结合在一起，就得考虑到使这些乐器能够相辅相成，而不是互相妨碍。因此首先就得使这些乐器在数量上保持一定的比例。现代乐队中的乐器配置是在十八世纪中形成的，在这之后虽然乐队的组织日渐扩大，但是乐队中各组乐器的比例并没有多大变化 弦乐组

音乐语言的要素 作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。 【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。 【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。 【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做"拍子''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。 【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。 【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。 【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。 【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。 【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。 【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。 【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。 音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。

音乐小知识：轻音乐与世界三大轻音乐团 对于古典音乐而言，轻音乐即是有通俗的手法进行改编，用小型或大型乐队乐队均可演奏，来营造温馨浪漫情调，轻松优美旋律，带有一种休闲性质。而古典音乐一般具有庞大、辉宏、磅礴、庄严抒情的结构和几个乐章的规模，具有深刻的内涵和严肃端庄的特征，故又称严肃音乐。轻音乐则相反，结构简单，节奏明快，旋律优美动听，也有较易明了的内涵和带给人们轻松的享受。因其轻松活泼，把它称为轻音乐是非常贴切的。但它不同于流行歌曲为核心的流行音乐具有鲜明的时代性，也不象热门流行歌曲很快过时。优美的旋律会经久 不衰。它介于古典和流行之间，是二者鲜明对比的折中，可谓第三种势力。它古典气息与现代风味兼而有之，华丽而不俗艳，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，即通俗而易懂，又格调高雅，风度不凡，可谓雅俗共赏。 　　轻音乐一经出现即受到广泛欢迎，成立于30年代后期的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的标志。曼托瓦尼以极柔和动听，优美醉人的弦律和绝妙的演奏风格，使轻音乐迅速在通俗乐坛上奠定了自己的地位。六、七十年代是其轻音乐鼎盛时期，一大批轻音乐团纷纷建立，如詹姆斯-拉斯特、保罗-莫利亚乐团等，他们在欧美不断举行轻音乐会，录制了大量精美唱片、磁带，畅销世界各地，这种音乐让古典乐迷们的耳目一新，好比常穿西装的人换上了随意自然的休闲服装一般。而流行音乐爱好者在声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就象一杯清凉爽口的饮料。 　　世界三大轻音乐团创始人曼托瓦尼，詹姆斯-拉斯特、保罗-莫利亚都是正宗科班出身，他们都是先后创建了以自己的名字命名的乐团，在数十年的演出录音实践中成为世界一流而著名的三大轻音乐团各领风骚，独树一帜，经久不衰。 　　轻音乐的曲目大多是改编而来，其中欧美流行歌曲、电影插曲、民间乐曲、古典乐曲，摇滚，迪斯科、流行音乐等占相当比重。很多都是上了欧美排行榜的热门乐曲，如《昨天》、《雨的节奏》、《我爱巴黎》、《蓝色爱情》、《天堂鸟》、《莉莉-玛琳》等。这些歌曲改编后淡化了原作品中的流行因素，突出了优美的旋律，使音乐情调为之一变，更加优美悦耳，至今，许多歌曲已被人们忘记，但轻音乐改变的乐曲却深深的留在人们的脑海中。 　　以通俗音乐语言演绎古典名曲是很多轻音乐团热衷的。好的改编与演奏即保留了原曲的古典精神又融入了现代气息，让古典乐迷感到别有韵味，使那些对古典音乐敬而远之的人鲜明的觉得与古典音乐的距离缩短了。提高了人们的欣赏兴趣。如改编而成的轻音乐有巴赫的《圣母颂》、舒伯特的《小夜曲》、贝多芬的《月光》等听起来都别具一格，满耳生辉。 　　轻音乐所具有的韵味和美感，既不同于古典音乐也不同于流行音乐，动人的旋律、优美的和声、新颖的配器、丰富的音色、浓郁的浪漫情调给人以全新的感受，形成了特有的美感。曼托瓦尼乐团演奏的《魅力》等集中体现了这种美感受，那悦耳动听的音响象醉人的芳液流入人们的心田，令人情不自禁喊到"太美了，太美了！"该乐队演奏的《时光流逝》、《秋叶》、《昨天》等都带给人们的美感是难以用语言表达的。 　　听保罗-莫利亚乐团的演奏，令人感到每个音符都充满了法国人的浪漫情调，让人联想到法国的葡萄酒、玫瑰和郁金香的芳香，地中海的阳光、情人的欢乐和眼泪。他将各种浪漫的情思和诗意展现出来，使人生产生一种强烈的共鸣。保罗-莫利亚的成名作品《蓝色的爱情》自六十年代后轰动欧美后经久不衰，成为各乐队争相上演的曲目。 　　轻音乐团的指挥大多精通古典音乐，会演奏各种乐器，他们即是乐队的指挥，也是乐曲的创编者。轻音乐所具有的独特魅力在很大程度上归功于他们乐手取得的节奏、速度、力度、节拍等音乐要素的重新处理，赋予古典乐曲以拉丁舞曲、爵士乐曲、摇滚、迪斯科音乐节奏。通过打击乐器加强原曲的节奏和节拍、重音。使乐曲的内容和重音产生了强烈的对比。如用探戈节奏来演绎勃拉姆斯的《匈牙利舞曲》、用桑巴、恰恰、伦巴的节奏演奏德沃夏克的《斯拉夫进行曲》等，其节奏奔放，极富感染力，对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取了慢节奏进行柔化处理而产生了一种新的听感。 　　丰富多彩、别具一格的配器是轻音乐改编的另一种主要手法，一是喜爱用一些不登大雅之堂的民间乐器，如西班牙吉他，口琴、手风琴等并经常让其演奏主旋律，以此来营造特殊的音乐情调和氛围，并与传统的管弦乐器形成了音色上的对比，使音响赋予变化而丰富多彩；二是喜爱使用各种打击乐器，如小军鼓、铃鼓、三角铁、沙锤，非洲鼓等，还使用一些富有特色的民族、民间打击乐器，使音响生动活泼，极有感观上的冲击力；三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增强音响的现代气息。电声乐器、打击乐器与传统的弦乐器完美的结合在一起，营造出一种晶亮剔透、轻盈生动明快的音响效果；四是通过加入有词或无词的人声演唱或哼唱来烘托优美的音乐氛围，演奏中伴随着具有现代气息的节奏、动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现，时起时落，极为优美动听。熟悉该乐队演奏的贝多芬《致爱丽斯》、奥芬巴赫的《船歌》等曲目，都加入了男女混声哼唱，听来韵味独特，美不胜收。 　　八十年代以来，轻音乐的演奏趋向个人化方向发展，乐人的核心已不是指挥，而是某一种乐器的演奏明星，乐队也由原来的演奏主体转变为演奏配角，有的轻音乐队则兼收并蓄将交响乐、流行音乐、爵士、摇滚、新世纪音乐融为一体，与传统的轻音乐有较大的差别，这类可成为新轻音乐的唱片也有很多，但除里查德-克莱德曼的钢琴、肯尼-G的萨克斯、赞费尔的排箫、亚米等人及乐队录制的唱片外，大多数唱片沙龙味较浓，不能给人以高层次的审美享受。欣赏正宗的轻音乐，首选仍是三大轻音乐团，这三个乐团的唱片在国内已占据了主流地位，其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品，主要是五、六十年代录制的。去年DECCA公司发行了一套两张曼托瓦尼的金曲集，汇集了其演奏的最精彩的29首金曲，是收藏的精品，詹姆斯-拉斯特乐队，是环球公司(宝丽金)旗下的专属乐队，近十年来录制了大量的精美唱片。但在国内能见到的只有三十多款，该乐团也是录音最多的乐团。保罗-莫利亚的唱片是由PHILIPS公司录制，数量也较多，而且有不少是近年来新录制的，录音水准较高，录音效果极佳，被我国广大轻音乐迷用作测试音乐器材的最佳试听唱片。

弓虽。。。。。

听古典音乐会应该何时鼓掌? 相信这个问题对很多刚刚接触古典音乐的朋友来说，是一个很头痛的问题。其实要解决这个问题，有一个既简单又保险的方法，那就是：等到别人鼓掌的时候再鼓掌。 当然，这只是一时的权宜之计，要想真正地解决这个问题，我们还需要了解一些关于古典音乐的小知识。 一般说来，鼓掌的恰当时机应该是在整首乐曲结束时，而不是各乐章的间歇中。所以我们应该知道不同类型的乐曲通常由几个乐章组成。 1 协奏曲（Concerto）由一件独奏乐器或一组乐器在乐队伴奏下进行演奏的乐曲。音乐会上经常演出的有柴可夫斯基钢琴协奏曲、门德尔松小提琴协奏曲以及中国的小提琴协奏曲梁祝和钢琴协奏曲黄河等。在西方古典音乐中，协奏曲通常由三个乐章组成，每个乐章之间有短暂的间歇（千万不要在这里鼓掌，这样会破坏音乐的气氛，同时别人也会觉得你很老土），三个乐章的速度分别为快—慢—快。 2 交响乐（Symphony）为管弦乐队而做的，构思宏伟复杂的管弦乐作品。一部交响乐通常由四个乐章组成，各乐章之间形成情绪和速度上的对比，一般结构为快—慢—舞曲节奏－快。脍炙人口的作品有贝多芬第五交响乐（命运）、德沃夏克第九交响乐（自新大陆）等。 3 小型乐曲（Piece）耳熟能详的乐曲都属于这个范畴，例如拉德斯基进行曲、雷电波尔卡、春节序曲等等，这类乐曲的特点是短小精悍、一气呵成，中间没有间歇。 如果知道一首曲子包括几个乐章，并对每个乐章的“风格”都有一个概念的话，我们就会知道曲子什么时候结束以及什么时候该鼓掌了！ 特别提示：并不是所有的协奏曲、交响乐结构都一样，比如著名的小提琴协奏曲梁祝是不分乐章的，贝多芬第五交响乐的三、四乐章之间也是没有间歇的等等，请大家注意！

35种音乐的分类 01.什么是Trip-Hop？ Trip-Hop是英伦／欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip Hop"＝ Trip-Hop"，因为它发源自英国的Bristol,因此最早时称作"Bristol Hip-Hop".。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的.）节奏变慢(有时很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的Bass,轻微但迷幻的 合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被"故意"取样进去.所谓“ Trip"，指迷幻，氤氲的药物「旅程」，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。 外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead, Tricky, Massive Attack. Mandalay Moloko Coldcut 　 02.什么是World Music？ World Music是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 World Music通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 King Sunny Ade，东欧的don Byron，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 Nusrat Fatehali Kahn等是西方乐迷较熟悉的 World Music乐手。 　 03.什么是New Age？ New Age是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 Acoustic(即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 New Age很多时与音乐治疗有关，不少New Age音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 New Age思潮哲学有莫大关系。 New Age音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 New Age唱片公司。 New Age代表乐手有 Enya， George Winston， William Ackerman， Yanni， Kitaro等等。 　 04.什么是Dream-Pop？ Dream-Pop是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多靠Synthesizers（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 'Breathy'即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 Cocteau Twins， Lisa Germano， St.Etienne， This Mortal Coil， My Bloody Valentine， Mazzy Star和 Dead Can Dance等。 　 05.什么是Classical Pop ？ Classical Pop是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 The Beatles的 "Eleanorrigby"就是。澳洲乐队 Crowded House的一些作品也可列入此类。如果说 Classical Pop，则是指经典的流行曲。 　 06.什么是Acappella ？ ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是 "SO MUCH IN LOVE"，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。 　 07.什么是Bossa Nova？ 在“谜”新专辑中传达了了许多自然的、哲学的观念。这个观念的主题就是“为什幺”。《冥界之外》是“谜”一首经典的单曲。通过克里图的声音铺垫首一种不可抵挡的圣歌迭句和有力的旋律。 BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第 1,4,7,11,14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国后大受欢迎，其它着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为 "THE GIRLFROM IPANEMA"。 OSSA NOVA于 60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。 　 08.什么是Post Rock? Post-rock是九十年代中期冒起的一种实验性、前卫摇滚乐，多带催眠感觉，风格取自ambient、free-form jazz、avant garde及电子音乐。代表乐队有Tortoise，他们视他们的音乐不是歌，而是不断改变、晚晚新鲜的作品，大部分Post-rock乐队都反主流音乐，也反indie-rock，不过也有些比较pop，如Stereolab等。 Post-rock 乐队例子还有Cul De Sac、Ui、Flying Saucer Attack、The High Llamas、Mogwai、Trans Am等。 　 09.什么是Britpop？ Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则Pop很多，而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。 英国 Britpop代表人物： Oasis Blur Suede Pulp Radiohead 　 10.什么是Dub? Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae(瑞格，也有称之为雷鬼,一种很有节拍性 ,唱腔特别的南美黑人音乐)。而将Dub运用在 电子乐上,则是将部份歌声抽离,将Bass和鼓声加重,并且加入大量的Echo(回音)等效果。这种技术常在现场表演时,将歌曲重新混音(Remix)呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。 11.什么是Electro? 早在70年代末,80年代初,那时还没有House,Techno...这类玩意儿,电子音乐也较不盛行,只有Electro这类电子音乐而已. Electro可说是纯粹以电子合成器(Synthesizer,长得有点像Keyboard)来发声的音乐,通常蛮轻柔的,且常使用Roland公司的鼓机(Drum Machine)TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。 现在的Electro音色比以前明亮,透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐,被称作Old School。现在的Fatboy Slim(流线胖小子)也融合了一些Electro和Old School在音乐中。 12.裁词荍ungle? Jungle就是Drum'n'Bass的前身。Jungle的速度比Drum'n'Bass快很多,而且节拍更为 复杂,比较强悍,有时会搭配一些Rap,不像Drum'n'Bass会融合一些Jazz,Soul等元素,听起来比较柔，连"摇滚变色龙" David Bowie现在都搞起Jungle了。 13.什么是Drum'n'Bass? 对某些人来说,Drum'n'Bass的音乐可能很烦,因为Drum'n'Bass很注重在节奏上玩花样,还有Bass的表现, 像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓,或是取样而来的鼓声。因此Drum'n'Bass也是Breakbeat的一种，4Hero为Drum'n'Bass的知名乐团 　 14.什么是Big-Beat? "大节拍",把Brit-Hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将Brit-Hop改良后, 更成熟的一种曲风,你可以想像一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy,The Chemical Brothers, Fat Boy Slim即是Big Beat的"大角。 　 15.什么是Brit-Hop ? 把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重,配合些许电吉他,Bass,有摇滚乐的味道, 如The Chemical Brothers的曲风即是。 16.什么是Break beat ? 不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat只是一 个总称而已,有很多种音乐都属Breakbeat,如以下的Brit-Hop,Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一种。 17.什么是Psychedelic Trance ? 又名Goa Trance,发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字 ,旋律常带有印度风味，这类Trance的特徵,就是很重视旋律,音符之间的细微变化,且常有重叠的旋律,和高亢的TB-303声音出现，有点Ambient的味道。 18.什么是Trance ? 迷幻舞曲,由Techno演变而来,听了会让你有"出神"的感觉,但还是保有舞曲的律动 ,很注重Bass的表现 ,某些听了会有"催眠"的效果，拍子也是以4/4拍为主。 19.什么是Ambient ？ 听起来起伏不大,但其实一直在做改变,像是长时间的音效, 或是渐进式的音乐编排等等,常会营造出有层次的空间感,所以被称为"情境音乐", 且常对於生活周遭的声音做取样,如人声,汽车声,甚至是其他音乐的旋律...等等。为70年代的Brian Eno所创,是一种很"高深"的电子音乐.后来Ambient也有分支,如Ambient House, Ambient Techno...等等,相信大家从字面上就能了解,其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子,甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道。 20.什么是Techno ？ Technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的. Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快,且听起来具

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